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Tom Jobim – “‘Samba De Uma Nota Só’, Na Morte De Tom Jobim ‘É Impossível Ser Feliz Sozinho'” (obituário)

cultura >> sexta-feira >> 09.12.2022


“Samba De Uma Nota Só”, Na Morte De Tom Jobim
“É Impossível Ser Feliz Sozinho”


Morreu António Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, Tom Jobim, um dos pais da bossa-nova. Tinha 67 anos e a morte veio ao seu encontro ontem num hospital em Nova-Iorque, onde se preparava para ser submetido a uma angioplastia, a mesma operação á qual se submetera um mês antes. Ficou vazia a pauta do “Samba para uma nota só”.



Consideravam-no um dos melhores compositores brasileiros de sempre. Autor de mais de 400 composições escritas ao longo de 40 anos de carreira, muitas delas escritas de parceria com o seu amigo e poeta Vinicius de Moraes e outras com o pianista Newton Mendonça, Tom Jobim, como era conhecido, assinou êxitos que entraram para o domínio público como “Garota de Ipanema” e “Samba de uma nota só”, verdadeiros hinos da bossa-nova, essa música que pode ser comparada a um samba descarnado, banhada pelo sol das praias cariocas, mas onde habita uma tristeza sem nome, a contrastar com a sensualidade orgiástica e tribal e o entusiasmo dionisíaco do samba-carnaval.
Influenciado por Villa-Lobos, Tom Jobim estabeleceu as regras da música que viria a ser denominada bossa-nova nos finais dos anos 50, mais precisamente em 1958, ano da sua associação com João Gilberto, outro dos patriarcas do género, depois de em 1955 ter escrito a sua “Sinfonia do Rio de Janeiro”. Em 1954 compôs o seu primeiro samba, “Faz uma semana”, seguido pouco tempo depois por “Desafinando”. Com Vinicius de Moraes compôs o clássico “A felicidade”, incluído na banda-sonora de “Orfeu Negro”, um filme de François Marcel Camus, vencedor do Festival de Cannes de 1957.
“Chega de saudade”, de 1959, projectou a bossa-nova além fronteiras, em particular nos Estados-Unidos, onde foi adoptado pelo saxofonista de jazz Stan Getz. Data dessa época o encontro e a colaboração com nomes como Frank Sinatra, Ella Fitz gerald e o próprio Stan Getz. Três anos mais tarde, em 1962, abrir-se-ia uma última porta, numa inesquecível “grande noite da bossa-nova” realizada no Carnegie Hall em Nova-Iorque. “Garota de Ipanema” teve aí a sua rampa de lançamento, tornando-se em pouco tempo num dos temas mais famosos da música popular brasileira. Tem uma história. Uma história de amor como são todas as boas histórias. Vaga e um pouco triste. De algum modo coincidente com o ambiente de erotismo platónico que caracteriza a bossa-nova. A canção nasceu à mesa de um café onde Vinicius de Moraes se apaixonou por uma rapariga da qual nunca chegou sequer a conhecer o nome. Assim como ficou, ligada para sempre à beleza de uma mulher misteriosa, sem contornos fixos e por isso sujeita a todos os sonhos de possessão, “Garota de Ipanema” acabou por tornar-se num dos símbolos da mulher carioca, embora hoje a imagem que se tem dela seja mais do tipo carnudo, separado ameio por um fio dental. Seja como for a rádio pegou nela (na canção) e o próprio Frank Sinatra encarregou-se de cantar em 1967 a versão em inglês, “The girl of Ipanema”. Ipanema entrava desse modo para a lista dos lugares míticos do Brasil.
Nascido em 1927 no bairro de Tijuca, no Rio de Janeiro, Tom Jobim acabou por se instalar em Ipanema, nessa época um lugar desértico com uma praia cheia de ar puro e de silêncio. A mesma pureza e o mesmo silêncio que se podem escutar na música deste compositor.
Depois, a selva de cimento avançou contra a praia, invadindo a marginal de Ipanema com os seus edifícios-montra para onde foi morar uma nova burguesia ansiosa por se exibir. Tom Jobim fugiu, refugiando-se num lugar perto da floresta de Tijuca. Recentemente compôs o álbum “António Brasileiro”, o seu último de originais, dedicado à natureza e à ecologia, “talvez dê para salvar um pouquinho, talvez sobrem algumas árvores”, ironizava.
“Corcovado”, “Fotografia”, “Águas de Março”, “Retrato em preto e branco” (com Chico Buarque) são alguns dos outros títulos conhecidos de António Carlos Jobim que nos últimos meses gravou um tema para álbum “Duets II”, de Frank Sinatra – repetindo deste modo uma colaboração encetada nos anos 60 com “Fly me to the moon” – e em Setembro de 1992 actuou em Portugal, no claustro do Mosteiro dos Jerónimos, acompanhado por membros da sua família e da dos Caymmi, de Dorival Caymmi, “a água da fonte”, como lhe chamava.
Ontem, Tom Jobim despareceu. Amava a liberdade e recusava as etiquetas. Desprezava o fato e gravata e sentia “repulsa pelos horários rígidos e pelos engarrafamentos”. “A música falava mais forte”, dizia. E o amor. “Com a idade, primeiro vão-se as moças, depois os rapazes, até que a gente fica sozinho. O fundamental é mesmo o amor, é impossível ser feliz sozinho.”
É como se a praia de Ipanema ficasse de novo sem ninguém.

Mathilde Santing – “Tudo De Novo Por Baixo Do Sol” (concertos | antevisão)

pop rock >> quarta-feira >> 30.11.1994


Tudo De Novo Por Baixo Do Sol

Mathilde Santing
Dia 2, Teatro Sá da Bandeira, Porto, 22h
Dia 3, Convento do Beato, Lisboa, 22h


A linhagem nobre das grandes vozes femininas actuais passa por Mathilde Santing, cantora holandesa que pela primeira vez vem cantar a Portugal, acompanhada pelo seu novo grupo de apoio instrumental, Whole Band. Gerindo até à data da melhor forma a sua carreira e discografia, introduzindo em cada novo álbum diferenças de registo que tornam irrelevante o facto de não ser compositora, Mathilde Santing tem ainda a preocupação de conferir uma unidade forte a todos os seus trabalhos.
No início era a Pop electrónica, num mini-álbum intitulado “Behind a Painted Smile”. Seguiu-se aquele que muitos consideram ser a sua obra fundamental, “Water under the Bridge”, com canções de tonalidades surreais, Pop de câmara, como alguém lhe chamou, nascida em grande parte da inspiração do compositor e arranjador Dennis Duchhart. Com “Out of this Dream” teve início a faceta de cantora-intérprete sofisticada, na interpretação de canções de autores como Todd Rundgren, Tom Waits, os Squeeze ou a dupla Bacharah & David, quebrada em certa medida no álbum seguinte, “Breast & Brow”, pela presença da personalidade musical forte da pianista japonesa Mimi Izumi Kobayashi. John Cale, Henry Nilsson e Roddy Frame são alguns dos compositores aos quais a holandesa emprestou neste disco a sua voz.
Em “Carried Away” Mathilde Santing interpreta por sua vez um naipe de autores que inclui Robert Cray, Jules Shears e os Doors, para no álbum seguinte, “Texas Girl & Pretty Boy” se concentrar exclusivamente nas canções de Randy Newman.
“Under a Blue Roof”, o seu disco mais recente, onde além da presença assídua de Todd Rundgren, se estreiam canções de Joan Armatrading e Peter Blegvad, mostra nova inflexão na escolha de reportório, revelando as múltiplas matizes de uma sensibilidade capaz de se fazer entender por caminhos onde uma sensualidade subtil se alia à inteligência e a um grande rigor formal. Caminhos até há pouco tempo percorridos em primeira escolha nas rotas do intimismo mas que agora se abrem, num sobressalto de sol, para a luz do dia, ao colo dos ritmos “funky” e da energia do rock’n’roll.

Né Ladeiras e Vini Reilly – “Ser Maior (Uma História Sobrenatural)” (artigo de opinião) + Durutti Column “Sex And Death” (crítica de discos)

pop rock >> quarta-feira >> 23.11.1994


Ser Maior (Uma História Sobrenatural)

Existirá uma ligação entre o misticismo e a depressão? E o que é que isso tem a ver com o sentido português lançamento simultâneo de novos álbuns de Né Ladeiras e Vini Reilly vem repor a questão.



Procurar no sobrenatural uma explicação para certas idiossincrasias do próprio acto criativo tem sido desde sempre uma constante de nomes importantes da música popular. Em Hendrix como em Dylan, em John McLaughlin como em Carlos Santana, em Jim Morrison como em Julian Cope, em Sun Ra como nos Earth, Wind And Fire, em Cat Stevens como Venâncio Castro, “o outro lado” tem servido de justificativa para divagações existenciais e musicais que escapam a classificações mais taxativas.
Os OVNI, a magia (branca e negra), deuses com bom ou mau feitio provenientes de todos os mitos e religiões – com uma certa preponderância, nos anos 70, de “Krishna”, com quem os Beatles, entre outros, aprenderam a maneira de atingir o nirvana ou, pelo menos, onde comprar incenso ou uma “sitar” a preços mais em conta -, o próprio diabo (seria fastidioso enumerar a horda de bandas “heavy metal” ou da corrente negra tecno-satanista seguidoras do demónio), as formas cósmicas em geral e todas as formas de espiritualismo disponíveis contam-se entre as fontes esotéricas onde quem quiser, e a tais práticas for dado, pode ir buscar alguma inspiração e uns quantos adereços, sempre úteis no caso de se querer causar boa impressão.
Claro que boas leituras, uma estada num mosteiro qualquer (em Portugal, Sintra será sempre uma opção preferível à Ladeira do Pinheiro) e a ingestão de drogas, bastantes drogas, sobretudo as alucinogénias, contribuem para fazer aparecer com maior facilidade as portas de acesso aos outros mundos. Mesmo aos de onde não se regressa.
Né Ladeiras é um bom exemplo lusitano desta tendência, ou não fossem os portugueses muito dados ao misticismo. No seu caso, é uma espiritualidade suave, feminina, com raízes na d´erva, do ácido e dos cogumelos. Aquela questão dos signos, das linhas da mão, das boas ou más vibrações, do Yin e do Yang, das entidades protectoras, neste caso as Mães de Santo e os orixás, estes últimos divindades protectoras muito requisitadas no Brasil. Não há mal nenhum nisto desde que contribua para o equilíbrio interior do indivíduo ou, noutro âmbito, para melhorar as suas “performances” musicais, como parece ser o caso da autora do recente “Traz os Montes”.
Já o caso de Vini Reilly não se poderá incluir com a mesma certeza no cabaz dos místicos. No passado correram rumores, é certo, que davam conta do seu interesse pelos cemitérios, lugares que, bem vistas as coisas, e caso não se aprofunde muito, sobretudo debaixo da terra, serão tão inspiradores como quaisquer outros. Boato ou não, certo é que o guitarrista e mentor dos Durutti Column não é o que se pode chamar uma pessoa certinha, daquelas que dobram o pijaminha e dividem a conta pelos dois. O seu caso, porém, tem mais a ver com uma depressão crónica, de um tipo provavelmente idêntico àquele de que padecia gente tão diferente como Fernando Pessoa ou Ian Curtis, e que o leva a compor uma música invariavelmente triste e a refugiar-se num mundo de imagens e referências localizadas na margem mais desolada da personalidade e dos sons.
Vini Reilly, que se saiba, não invoca deuses nem demónios, não entrou para nenhum “ashram” nem alguma vez foi visto vestido com uma túnica branca e o cabelo rapado. Até porque não ligaria bem com a sua figura franzina de rapaz enfezado que se entregou de corpo inteiro à sua arte. É evidente que o título do seu novo álbum, “Sex and Death”, não pressagia nada de bom, na medida em que vem escarafunchar num assunto tão incómodo como é o desta relação entre duas realidades que de facto se entrelaçam como o dia e a noite.
Pulsação de vida contra pulsação de morte, eis a dialéctica de guerra, nunca santa entre duas tendências na aparência contrárias, o que de imediato convida a buscar na transcendência uma maneira, o mais possível cómoda e indolor, para a ultrapassar. Vini lá vai conseguindo, gravando discos e tocando guitarra como quem se despede em cada uma das vezes.
Né Ladeiras sabe que não há necessidade de tanto dramatismo e que, sexo por sexo, antes o seguro – até para evitar surpresas desagradáveis – e aquele que não necessita de varinhas de condão. Há o tantrismo, é verdade, que basicamente procura reter e reconduzir a energia do orgasmo para áreas não genitais, pela coluna acima até se acender uma claridade na nuca, embora segundo cremos, nem Né nem Vini sejam adeptos desta técnica.
Concluindo, para os não iniciados nos mistérios dos orixás nem nas delícias do auto-supliciamento voluntário, a música é que conta. Tanto no caso de Né Ladeiras como no de Vini Reilly, os seus novos discos merecem ser ouvidos e o espírito bem abertos. E, afinal de contas, é um facto que tocar música é em primeiro lugar ser-se tocado.


Durutti Column
Sex And Death (6)
Factory Too, distri. Polygram


A ligação do sexo com a morte pode ser encarada neste álbum de duas formas distintas. Por um lado, em relação directa com a sida. Por outro, com uma conexão mais literária, aquela dos artistas românticos para quem a morte era o corolário natural da paixão. Refira-se a propósito uma canção de Mary Coughlan onde esta cantora irlandesa refere os orgasmos como “Little deaths”.
Depois há o azul, na falsa pintura a óleo da capa e em “Blue period”, faixa que encerra o disco, curiosamente um “blues” à maneira de Vini Reilly, mas também um possível jogo com o “período azul” de Picasso, numa referência à pintura que nos Durutti Column remonta a “Without Mercy”. Ou ainda o azul que Derek Jarman associou à sida no terrível libelo que deixou em filme e em disco antes de morrer, vítima desta doença.
“Sex and Death” tem a mesma tristeza e o mesmo som de fundo dos discos anteriores de Reilly. Canções em forma de dedicatória a amigos, a utilização de escalas chinesas, ecos de vozes que nascem e morrem, vestígios de lugares e personagens desaparecidos, citações de música de câmara a quebrarem o ascetismo da guitarra refractada de Vini, ainda e sempre apoiada na carne percussiva do baterista Bruce Mitchell.
Dando mostras de não ter esquecido os seus amigos de Portugal, o computador chamou “Fado” a uma das suas canções, mas, mesmo com esforço e muita imaginação, é difícil descortinar nela qualquer semelhança com o fado português. Só de for pelo estado de epírito, porque, mesmo a letra – “falo contigo por imagens, tu respondes-me com histórias…” -, nem com a maior das boas vontades poderá alguma vez ser cantada na Mouraria ou em Alfama. Nada de novo, portanto, neste vale de lágrimas.