Arquivo da Categoria: Críticas 1992

Kevin Ayers – “Still Life With Guitar”

Pop Rock

25 MARÇO 1992

SOL, CHAMPANHE E BLUES

KEVIN AYERS
Still Life with Guitar
LP/CD, Fnac Music, distri. Variodisc

Depois de debilidades como “As Close as You Think” (1986) e “Falling Up” (1988), e a par de uma reconhecida tendência para deixar andar as coisas, é de todo inesperado este regresso em força de Kevin Ayers. “Still Life with Guitar” é “só” o melhor álbum de ex-Soft Machine da sua fase, digamos, “normal”, que inclui todos os discos posteriores à esquizofrenia genial de “Joy of a Toy” e “Shooting at the Moon” e o parênteses da sequência que ocupa todo o primeiro lado de “The Confessions of Dr. Dream”, com Nico e Brian Eno – fase de que fazem parte, portanto, os imprescindíveis “Whatevershebringswesing” e “Bananamour”.
É como se Kevin Ayers acordasse da longa letargia que o levou a estiolar ao sol e no lazer da Cote d’Azur e do Sul de Espanha, onde durante os últimos anos foi deixando secar a inspiração, para finalmente se lançar em busca do tempo perdido.
Diga-se desde já que o conseguiu. “Still Life with Guitar” tem todas as características da fase dourada: a excentricidade elegante, uma maneira de contar histórias capaz de transformar a frase mais vulgar numa peça de um “puzzle” montado por um internado do Rilhafoles, os balanços rítmicos empurrados pelo álcool e, sobretudo, a inconfundível voz de barítono, mais “blasée” e profunda do que nunca. Num total de dez temas que compõem “Still Life with Guitar”, pela menos metade vai direita á galeria dos clássicos do autor: “Something in between”, “Thank You Very Much”, “Fhost Train”, “I don’t depend on you” e “M 16”. Os outros cinco estão em fila de espera. Desde a abertura – que, nas primeiras notas, remete para Lou Reed – de “Feeling this way” ao tradicional que encerra o disco “Irene good night”, escreve-se, à luz branca da Lua (a luz que enlouquece no “Lunatic’s lament” de “Shooting at the Moon”), um compêndio de canções fora de moda, fora do tempo, mas mesmo a tempo de nos desintoxicar do verniz tóxico com a maioria da actual produção pop nos envenena.
Não falta nenhum capítulo: a balada estelar e pianística de “Something in between”, o regresso ao café surrealista de “May I”, com mesa reservada em “Thank you very much”. Novos uivares à Lua em “Ghost train”, depois do comboio-fantasma não ter parado ao sinal de “Stop this Train” (do álbum “Joy of a Toy”, a rádio sintonizada nos “blues” etilizados pelos vapores de um vibrafone em “I don’t depend on you” (os conhecedores saberão reconhecer e apreciar, neste e noutros temas, a construção de frases e as rimas típicas do compositor), as ondulações vocais do “crooner” à beira do naufrágio em “M 16”. Mas há mais: as aventuras de Johnny, o mentecapto romântico, ao ritmo “zydeco” de um acordeão rural em “There goes Johnny”, o retorno do “cowboy que gosta de champanhe” em “When your parents go to sleep”, sem esquecer o diálogo instrumental “cool” entre a guitarra de Ollie Halsall (há muito companheiro habitual de Ayers), o contrabaixo de Danny Thompson e a bateria de Roy Dadds ou a personificação de Georges Moustaki em jeito de “country blues” no tradicional “Irene good night”. Uma referência especial a dois dos convidados: Mike Oldfield, num regresso em força desde os bons velhos tempos em que integrava a Whole World, de “Shooting at the Moon”, e Anthony Moore – ex-Slapp Happy, eventual desestabilizador nos Henry Cow e autor de uma das obras-primas mais menosprezadas de sempre da música popular, “Flying doesn’t Help”. A surpresa do ano. (9)

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Phew – “Phew”

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Pop Rock

5 FEVEREIRO 1992

PHEW
Phew
CD, Les Disques de L’Acier et su Soleil, import. Ananana

Não se pode fugir à evidência: algumas das correntes mais significativas da música actual, em particular aquelas que não dispensam o uso maciço da tecnologia electrónica, têm as suas raízes na Alemanha. É o caso das chamadas “músicas de fusão”.
“Phew” reedita, em CD, o colectivo de ocasião formado, em 1981, por Holger Czukay, Jaki Liebezeit, ambos dos Can, Conny Plank, músico, engenheiro de som e impulsionador de dois selos importantes da década de 70, na área do “cosmic rock” – a Brain e a Sky –, e a cantora japonesa Phew.
O disco encontra, à época, paralelo em “Zero Set”, de Plank, Dieter Moebius, dos Cluster, e Mani Neumeier (percussionista dos Guru Guru) e um vocalista sudanês. Em ambos os casos trata-se da junção e sobreposição de vozes “exóticas” ou “étnicas” com o acompanhamento electrónico, nomeadamente das percussões.
Curioso é verificar como então, às sínteses actuais permitidas pela utilização do “sampler” e pela crescente sofisticação do estúdio, se contrapunha uma estratégia de colagem que, por oposição, valorizava o contraste e a diferença. Estratégia que, de resto, já era notória em toda a discografia prévia dos Can, de “Tago Mago”, “Ege Bamyasi” e “Future Days” ou, em particular, nas suas “Ethnological Forgery series”, sem esquecer as aventuras solitárias de Holger Czukay em “Cannaxis” (colagens com gravações de vozes da Coreia, entre outras) e “Movies” (com registos de cantores persas).
Se “Movies” passa por antepassado legítimo de “My Life in the Bush of Ghosts”, de Brian Eno/David Byrne, “Phew” antecipa, de igual modo, obras como “Noir et Blanc”, de Hector Zazou/Boni Bikaye e “The Rhythmatist”, de Stewart Copeland/Ray Lema. Encontros infinitos entre as rítmicas circulares e vocalizações ancoradas no tribalismo, tradicional ou simulado, e a sua potenciação pela electrónica. O transe e a razão. Melhor dizendo: o transe da razão. (7)

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John Cale – “Paris s’Éveille”

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Pop Rock

5 FEVEREIRO 1992

PARIS COMEÇA NA ANTÁRCTIDA

JOHN CALE
Paris s’ Éveille
CD, Les Disques du Crépuscule, distri. Edisom

Paris leva 17 minutos a acordar. O mesmo tempo que John Cale demora a adormecer-nos, em “Paris s’ Éveille”, início de mais um disco “sério” deste compositor, que, nos Velvet Underground, condescendia com orgias de “feedback” e sadomasoquismo.
A costela erudita, chamemos-lhe assim, de John Cale, remonta aos tempos de “Paris 1919” (parecendo querer dizer que o “clássico” se associa invariavelmente à capital francesa) e, antes disso, aos ensinamentos do guru do minimalismo LaMonte Young. Costela mantida até agora, felizmente, a maior parte do tempo no frigorífico. Torna-se forçoso reconhecer que é no rock e na fúria de álbuns como “Vintage Violence”, “Fear”, “Honi Soit” e “Music for a New Society” que o talento de Cale eclode com maior esplendor. Quando não se deixa levar pelas ventanias do ódio, os resultados quase sempre deixam algo a desejar. E “Paris s’ Éveille” é um disco de amor. Basta olhar para o postal ilustrado da capa para se ver que é um disco de amor.
“Words for the Dying”, o seu anterior trabalho, enveredava já pela via inchada e orquestral dos grandes épicos. O novo disco leva-a às últimas consequências. “Paris s’ Éveille” não é um mau disco, da mesma forma que a mega-obra “The Well-tempered Piano”, de LaMonte Young (quatro horas de notas de piano fragmentadas) ou uma supercacofonia matemática de Xenakis não são maus discos. São chatos, é verdade, mas não são maus. “Paris s’ Éveille” tem algumas atenuantes: é um disco de peças encomendadas e inclui, para além de um registo inédito dos Velvets, a pérola “Antarctica starts here” em nova versão do tema surgido pela primeira vez em “Paris 1919”.
Paris começa por ser os tais 17 minutos compostos para um filme de Olivier Assayas. A interpretação, entregue aos Soldier String Quartet (versão terrorista e bem-humorada dos Kronos Quartet), alonga-se em atmosferas barrocas, por vezes próximas de Michael Nyman, pontuadas por sons concretos e, na parte final, pelo piano eléctrico de Cale a imitar uma flauta de Pã. Ambiental, atmosférico, blá blá blá. Chato, mas bom. Depois mais uma dose de 18 minutos: “Sanctus” – “quatro estudos para orquestra electrónica escritos para a Warsaw Dance Company”. Nada a apontar.
John Cale precisa de facto de estudar melhor as lições de piano e viola de arco. Em “Sanctus” não se percebe bem o que é “electrónico”, se o oboé, os “tubular bells”, os timbalões e a trompete solistas, que são sintéticos, se os músicos, que são ligados à corrente. Outro bom tema. Chato, mas bom. “Animals at night”, “Pizzicato cantabile” encomendado pela Ralph Lemon Dance, e “Primary Motive”, composto para uma fita de Dan Adams, são na mesma ambientais, sérios, lentos, graves, grandiloquentes e chatos. Mas bons, sem dúvida.
Restam 12 minutos nos quais John Cale manda às urtigas a seriedade: “The cowboy laughs at the round-up”, piada em sequenciador, na linha da colaboração com Eno, “Wrong Way Up”, “Booker T.”, registo inédito dos Velvet Underground gravado em 1965, ao melhor estilo “de garagem”, com a respectiva péssima, e aqui excitante, qualidade sonora, disponível apenas em CD, e “Antárctica starts here” que transforma os sussurros ameaçadores de “Paris 1919” em algo não menos perturbante, mas banhado por uma luminosidade mais forte. Como uma ameaça velada que de súbito irrompe à luz do dia. Ou um “iceberg” prestes a encontrar o alvo. (6)

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