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José Mário Branco, Amélia Muge, João Afonso, José Martins, Rui Júnior, José Afonso – “José Mário Branco, Amélia Muge, João Afonso, José Martins E Rui Júnior Ontem Em Lisboa – Iluminaram As Canções De José Afonso”

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cultura >> quinta-feira >> 15.12.1994


José Mário Branco, Amélia Muge, João Afonso, José Martins E Rui Júnior Ontem Em Lisboa
Iluminaram As Canções De José Afonso



UMA GRANDE claridade banhou as canções de José Afonso. José Mário Branco, Amélia Muge e João Afonso deram novas vozes à voz do mestre. Limparam o pó ao passado, afirmaram novas vias, mandaram dizer que há uma dinastia afonsina paralela à dos filhos da madrugada. Aconteceu no S. Luiz, em Lisboa, no primeiro dos três espectáculos “Maio Maduro Maio”.
Faz bem ouvir música assim. Desintoxicarmo-nos das toxinas da moda. Participar, no verdadeiro sentido do termo, na essência musical de um dos maiores criadores da música portuguesa de sempre, José Afonso, e, ao mesmo tempo, reescutá-la, vibrante, nas vozes distintas de três artistas para quem é importante a manutenção de um elo da música portuguesa que importa não quebrar. Quem se deslocou nas noites de terça e quarta-feira ao Teatro S. Luiz em Lisboa teve a oportunidade de assistir a um dos melhores concertos de música portuguesa do ano. No espectáculo “Maio Maduro Maio”, centrado nas canções de José Afonso, apresentado anteriormente em diversas localidades portuguesas, revisto, aumentado e enriquecido nesta nova ocasião com novas canções. Com a edição de um disco em mira. Amanhã será o derradeiro encontro. A não perder.
A versão instrumental de “Maio Maduro Maio” deu o mote para uma noite inesquecível. A solo ou em harmonizações a duas ou três vozes entrelaçadas em arquitecturas atentas ao pormenor, os três cantores mergulharam no oceano musical e poético de José Afonso. João Afonso, sobrinho de Zeca, cantou com uma naturalidade e uma facilidade notáveis. A música do tio corre-lhe nas veias. Na sensibilidade com que se entrega ao balanço das canções e na agilidade com que se baloiça nas suas redes rítmicas, a sua voz flutua com a arte de um trapezista. “Utopia”, “Sodoma e Gomorra” (música original sua) “Já o tempo se habitua”, “Lá no Xenparaga” (onde imitou tonalidades vocais africanas), “Se voares mais ao perto” (com os restantes músicos a fazerem o acompanhamento em adufes), “Ali está o rio” e “Fura fura” revelaram um cantor de grande futuro. Amélia Muge mergulhou nas “nuances” mais poéticas da música, deixando-se seduzir pelas melodias, pesquisando a divisão mínima dos sons, deslizando por glissandos entre o suspiro e os registos de maior extroversão. Em “Que amor não me engana”, “Canção de embalar”, “Cigano maltês”, “Nem sempre os dias são dias passados”, uma composição sua com texto de Zeca Afonso, e “A cidade”, instante mágico em que a sua voz bailou no silêncio com as cordas de uma guitarra em estado de graça, de José Mário Branco. Os duos com João Afonso, em “Canção de embalar”, “O homem voltou” e “Benditos”, puseram em relevo o casamento perfeito dos timbres. Duas vozes irmãs.
José Mário Branco, há muitos anos que não o ouvíamos em forma tão apurada. Maestro subtil, função que desempenhou com tacto e sentido de humor, foi dos três o que mergulhou mais fundo nas canções de José Afonso. Na sua voz as palavras de Zeca foram o mesmo e outro lume. Uma voz iluminando a outra, ausente, e ao mesmo tempo misteriosamente presente. Os sentidos – das palavras e do corpo – ressuscitaram numa ressonância grave, a contar-nos, a seu modo, coisas fortes, que hão-de continuar a tocar-nos por muito que alguns se esforcem em obscurecê-las ou esvaziá-las das suas intenções. José Mário Branco rubricou no S. Luiz interpretações de antologia: “Pastor de Bensafrim”, “Canção da paciência”, “De sal de linguagem feita”, autênticos actos de paixão. Mas também na guitarra José Mário Branco impressionou. Jogou com a afinação das cordas durante “A cidade”, brincou com as melodias, provocou, acentuou cadências, soltou queixas e sarcasmos. E depois sustentou o tempo do espectáculo, com deixas e apontamentos sempre a propósito. Enquanto José Martins afinava a braguesa cantou um excerto de “Eu tenho dois amores”, de Marco Paulo, naquela versão que faz rimar “amores” com “tractores”. A ironia passou, a anteceder “O país vai de carrinho”: “tenho aqui uma força de bloqueio” e logo a seguir, cáustico, em comentário aos aplausos da assistência: “pois, mas depois chegam lá e votam todos nele outra vez!”. Quando alguém gritou da plateia, a pedir que cantassem “Grândola”, respondeu “é sempre em frente, logo a seguir a Alcácer!…”. Brincalhão, antes de se lançar no segundo “encore” – um “medley” de canções interpretadas ao longo do espectáculo – outra vez para o público: “São uns insaciáveis!”.
Uma palavra para José Martins e para Rui Júnior, artífices inspirados nas teias da percussão, o segundo também na guitarra e na braguesa. Das suas mãos saíram pequenos apontamentos que valeram ouro. Rui Júnior fez passar em “Maio Maduro Maio” um rio de gotas de pedra, com o seu pau-de-chuva. Nas tablas ou nas congas foi sempre de uma serenidade matemática. José Martins, sempre em cima da emoção, contrapôs às guitarras de Mário Branco e Amélia Muge as suas próprias articulações harmónicas.
Os três juntaram as vozes a um sentimento comum, em “Venham mais cinco”, “Cantar galego”, “Maio maduro Maio”, “Nefertite não tinha papeira”, “Fura fura”, “O que faz falta” e na carta final incendiada, “Zeca”, da autoria de José Mário Branco.
As canções de José Afonso estão e continuarão vivas enquanto vivas permanecerem as vozes e a memória de quem lhe compreendeu a obra e a vida. Ficaram as palavras de Mário Branco, enamorado da música, fazendo eco: “é tão bonito! as canções cantam-se sozinhas!”

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Amália Rodrigues – “Amália Rodrigues Cantou Domingo À Noite No Coliseu Dos Recreios – Uma Voz ‘Aflitíssima'” (crítica de concertos)

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cultura >> terça-feira >> 13.12.2022


Amália Rodrigues Cantou Domingo À Noite No Coliseu Dos Recreios
Uma Voz “Aflitíssima”

Na noite de Amália houve beijinhos, oferta de flores, momentos de mau-gosto, um travesti, as lágrimas do costume e emoção a transbordar. Só faltou a voz. Amália quer mas já não pode. Saídas de tom, fífias, um esforço inglório para não deixar fugir o passado. Mas Amália não desiste porque vive do calor das palmas. E continua a recebê-las.



A voz de Amália, já se sabe, é uma sombra da que foi durante décadas em que cantou, de forma transcendente, uma maneira de ser que é a dos portugueses. No concerto da noite de domingo no Coliseu dos Recreios em Lisboa, integrado na Lisboa-94, chegou a ser penoso ouvi-la desafinar, a voz perseguindo alturas a que já não consegue chegar, refugiando-se num quase grito, de mágoa e incredulidade, de quem sente que uma parte de si deixou de lhe obedecer. E, apesar de tudo, Amália continua a rir e a brincar, capaz de manter distância de si própria, de ser no fundo a mesma de sempre.
Abriu o concerto com o fado de Lisboa. Mal, bastante mal. Amália desafinou, nada a fazer. “Estou aflitíssima”, confessou, “mas depois vocês começam a bater palmas e eu fico logo melhorzinha”. Assim foi, de facto. O público na maioria não muito jovem que não chegou a encher a renovada sala das Portas de Santo Antão, não regateou aplausos à artista, aplaudindo de pé mal ela abria a boca. Estavam todos lá para lhe render homenagem, como sempre tem acontecido nos últimos espectáculos, para lhe agradecer, talvez pela razão inconfessada de poderem dizer que assistiram ao último concerto de Amália. Um momento, porém, aconteceu, no qual Amália se esqueceu que o tempo deixa marcas, a voz e a alma de súbito coincidentes na interpretação tocante de “Há festa na Mouraria”, um fado imortalizado pela voz de Alfredo Marceneiro. A primeira parte fechou com marchas populares, acompanhadas por uma banda de sopros formada por oito elementos, faceta popularucha que Amália, para mal de muitos, nunca dispensou.
Na segunda parte, acompanhada ao piano por André Dequech, Amália cantou poetas como Camões – “este já toda a gente sabe que escreveu a letra”. Seguiu-se nova sequência de fados. Entre os quais “Lisboa, velha cidade”, completamente assassinado pela voz, e “Que Deus me perdoe”, enobrecido pelas entoações trágicas da fadista. Logo a seguir, um primeiro momento patético: Lola, um travesti imitador da voz e da figura de Amália, sobe ao palco, emocionadíssimo, e declara com a voz embargada: “eu quero morrer antes da senhora Dona Amália!”. Amália, mais inteligente que Lola, desdramatiza e ri-se. “isso é o que dizem todos, mas quando chega a hora da verdade…”. “Povo que lavas no rio”, apresentada pela fadista com um “pff” de enfado, arrancou da assistência uma onda de delírio. A interpretação afundou-se com a voz, mas que importância tinha isso? Depois flores, muitas flores, que Amália adora receber, e o “Fado de Amália”, a tal que “chora a cantar”, com versos da sua autoria mas que mesmo assim ela não conseguiu recordar. “Esta agora! Até me esqueço de mim própria!”.
Entre improvisos desafinações, o descontrole instalou-se, numa sucessão de fados pedidos, monólogos – “não tenho orgulho nem pena de ser do povo, aconteceu” – e desatenções e esquecimentos constantes das letras. “Lágrimas” antecedeu os horríveis “Caracóis”. “Rua do Capelão” teve direito ao tradicional derrame de lágrimas (cuidadosamente teatralizadas nos gestos largos da artista, a limpar os olhos com a mão e a secá-las no vestido) e a tossidelas pelo meio. A tragicomédia à portuguesa atingiu o auge quando alguém numa intervenção desvairada, anunciou com a gravidade do profeta: “Portugal ofereceu ao mundo duas grandes senhoras, Nossa Senhora de Fátima e a senhora dona Amália”. Amália, alheia a tanto disparate, ainda cantou “Malhão de S. Simão” – “sem partes gagas” -, não satisfez quem lhe pedia “Barco negro” – “esse já não posso” – e deu mais um festival de desafinação em “Quando eu era pequenino”. A finalizar voltou a enganar-se em “Lisboa não sejas francesa” para finalmente regressar no único “encore”, com “Foi Deus”.
Amália foi igual a si própria em tudo menos na voz. Ela vai continuar, até que a voz lhe doa, como diz. Assim se cumprirá o seu destino. O nosso coração aguenta e perdoa. Mas, como diria mais ou menos António Variações, “o ouvido é que paga”.

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Tom Jobim – “‘Samba De Uma Nota Só’, Na Morte De Tom Jobim ‘É Impossível Ser Feliz Sozinho'” (obituário)

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cultura >> sexta-feira >> 09.12.2022


“Samba De Uma Nota Só”, Na Morte De Tom Jobim
“É Impossível Ser Feliz Sozinho”

Morreu António Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, Tom Jobim, um dos pais da bossa-nova. Tinha 67 anos e a morte veio ao seu encontro ontem num hospital em Nova-Iorque, onde se preparava para ser submetido a uma angioplastia, a mesma operação á qual se submetera um mês antes. Ficou vazia a pauta do “Samba para uma nota só”.



Consideravam-no um dos melhores compositores brasileiros de sempre. Autor de mais de 400 composições escritas ao longo de 40 anos de carreira, muitas delas escritas de parceria com o seu amigo e poeta Vinicius de Moraes e outras com o pianista Newton Mendonça, Tom Jobim, como era conhecido, assinou êxitos que entraram para o domínio público como “Garota de Ipanema” e “Samba de uma nota só”, verdadeiros hinos da bossa-nova, essa música que pode ser comparada a um samba descarnado, banhada pelo sol das praias cariocas, mas onde habita uma tristeza sem nome, a contrastar com a sensualidade orgiástica e tribal e o entusiasmo dionisíaco do samba-carnaval.
Influenciado por Villa-Lobos, Tom Jobim estabeleceu as regras da música que viria a ser denominada bossa-nova nos finais dos anos 50, mais precisamente em 1958, ano da sua associação com João Gilberto, outro dos patriarcas do género, depois de em 1955 ter escrito a sua “Sinfonia do Rio de Janeiro”. Em 1954 compôs o seu primeiro samba, “Faz uma semana”, seguido pouco tempo depois por “Desafinando”. Com Vinicius de Moraes compôs o clássico “A felicidade”, incluído na banda-sonora de “Orfeu Negro”, um filme de François Marcel Camus, vencedor do Festival de Cannes de 1957.
“Chega de saudade”, de 1959, projectou a bossa-nova além fronteiras, em particular nos Estados-Unidos, onde foi adoptado pelo saxofonista de jazz Stan Getz. Data dessa época o encontro e a colaboração com nomes como Frank Sinatra, Ella Fitz gerald e o próprio Stan Getz. Três anos mais tarde, em 1962, abrir-se-ia uma última porta, numa inesquecível “grande noite da bossa-nova” realizada no Carnegie Hall em Nova-Iorque. “Garota de Ipanema” teve aí a sua rampa de lançamento, tornando-se em pouco tempo num dos temas mais famosos da música popular brasileira. Tem uma história. Uma história de amor como são todas as boas histórias. Vaga e um pouco triste. De algum modo coincidente com o ambiente de erotismo platónico que caracteriza a bossa-nova. A canção nasceu à mesa de um café onde Vinicius de Moraes se apaixonou por uma rapariga da qual nunca chegou sequer a conhecer o nome. Assim como ficou, ligada para sempre à beleza de uma mulher misteriosa, sem contornos fixos e por isso sujeita a todos os sonhos de possessão, “Garota de Ipanema” acabou por tornar-se num dos símbolos da mulher carioca, embora hoje a imagem que se tem dela seja mais do tipo carnudo, separado ameio por um fio dental. Seja como for a rádio pegou nela (na canção) e o próprio Frank Sinatra encarregou-se de cantar em 1967 a versão em inglês, “The girl of Ipanema”. Ipanema entrava desse modo para a lista dos lugares míticos do Brasil.
Nascido em 1927 no bairro de Tijuca, no Rio de Janeiro, Tom Jobim acabou por se instalar em Ipanema, nessa época um lugar desértico com uma praia cheia de ar puro e de silêncio. A mesma pureza e o mesmo silêncio que se podem escutar na música deste compositor.
Depois, a selva de cimento avançou contra a praia, invadindo a marginal de Ipanema com os seus edifícios-montra para onde foi morar uma nova burguesia ansiosa por se exibir. Tom Jobim fugiu, refugiando-se num lugar perto da floresta de Tijuca. Recentemente compôs o álbum “António Brasileiro”, o seu último de originais, dedicado à natureza e à ecologia, “talvez dê para salvar um pouquinho, talvez sobrem algumas árvores”, ironizava.
“Corcovado”, “Fotografia”, “Águas de Março”, “Retrato em preto e branco” (com Chico Buarque) são alguns dos outros títulos conhecidos de António Carlos Jobim que nos últimos meses gravou um tema para álbum “Duets II”, de Frank Sinatra – repetindo deste modo uma colaboração encetada nos anos 60 com “Fly me to the moon” – e em Setembro de 1992 actuou em Portugal, no claustro do Mosteiro dos Jerónimos, acompanhado por membros da sua família e da dos Caymmi, de Dorival Caymmi, “a água da fonte”, como lhe chamava.
Ontem, Tom Jobim despareceu. Amava a liberdade e recusava as etiquetas. Desprezava o fato e gravata e sentia “repulsa pelos horários rígidos e pelos engarrafamentos”. “A música falava mais forte”, dizia. E o amor. “Com a idade, primeiro vão-se as moças, depois os rapazes, até que a gente fica sozinho. O fundamental é mesmo o amor, é impossível ser feliz sozinho.”
É como se a praia de Ipanema ficasse de novo sem ninguém.

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