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Paul Simon – “Paul Simon, Sábado, Em Alvalade, Não Contemporizou Com O Saudosismo – ‘Ele Cantou De Maneira Diferente’” (concerto | reportagem))

Secção Cultura Segunda-Feira, 22.07.1991

Paul Simon, Sábado, Em Alvalade, Não Contemporizou Com O Saudosismo
“Ele Cantou De Maneira Diferente”

Paul Simon mostrou como a música pode, e deve, sobrepor-se ao artifício. Quando a solução segura seria o recurso aos êxitos do passado, optou, em vez disso, pelo empenhamento e pelas “fusões” do presente. Ficou provado que há outras formas de fazer espectáculo.

Foi óptimo. Foi excelente. Foi excepcional. Foi bestial. Foi piramidal. Foi grandioso. Foi super. Foi grandioso. Foi magnífico. Foi. A todos aqueles que assistiram, sábado à noite, no estádio de Alvalade, em Lisboa, ao concerto de Paul Simon e acharam que foi óptimo, excelente, excepcional, bestial, piramidal, grandioso, super, magnífico ou que simplesmente foi, e aqui apenas pretendem a confirmação oficial das suas impressões, a confirmação está feita. Podem retirar-se em paz e dormir descansados.

Os outros, que não foram ou foram (e terão ido à volta de 40 / 45 mil) mas querem saber um pouco mais, podem ficar até ao fim. Foi de facto um bom concerto. Talvez o melhor, em termos de grandes espectáculos realizados no nosso país. E foi-o por méritos exclusivamente artísticos, o que equivale a dizer que o supérfluo e o teatro foram preteridos a favor da música propriamente dita. O que chocou muito boa gente, provocando comentários do tipo “ele cantou as músicas de maneira diferente” como os que se ouviram, com uma ou outra variante.
Paul Simon cantou, é verdade, as músicas de maneira diferente: “Bridge over troubled water” com uma introdução pianística de Richard Tee e continuação em ritmo reggae; “The boxer” menos swingante que na nossa memória; “Still crazy after all these years” com a voz a divagar por entoações bizarras. Houve mesmo uma altura, a meio de uma actuação de quase três horas, em que nem sequer cantou, dando o lugar aos músicos que não se fizeram rogados e se atiraram a longos solos numa sequência de puro “jazz rock”, de colorações étnicas, que serviu para Michael Brecker mostrar quanto vale nos sopros, seja no saxofone alto ou no controlador MIDI.

Média De Isqueiros

Sim, é verdade que interpretou “Kodachrome”, “Me and Julio down by the schoolyard”, “Bridge over troubled water” (8674 isqueiros acesos, 1º lugar à média aproximada de um isqueiro por 5,18 pessoas), “Still crazy after all these years” (7290 isqueiros acesos, 3º lugar, média de um em 5,681), “America” (7919 isqueiros, média de um em 5,682, 4º lugar, fazendo o pódio por um isqueiro), #The boxer”, “Cecilia” e “The sound of silence” (8502 isqueiros acesos, 2º lugar, à boa média de 5,29), os quatro últimos já em período de “encores”. Mas descontando estes temas, mais conhecidos (os lentos são os que estão assinalados em número de isqueiros acesos), o concerto pautou-se pela musicalidade e actualidade dos recentes álbuns “Graceland” e “Rhythm of the Saints”.

Em geral, as pessoas vão a este tipo de espectáculos, com nomes consagrados, não para ouvirem música mas para se reencontrarem com a sua memória. O mesmo estádio, que agora não atingiu o paroxismo com Paul Simon, enchera-se completamente não para ouvir e ver os Rolling Stones ou a Tina Turner actuais, mas para rever, de forma alucinatória, a lembrança que se tem dos tempos áureos. Paga-se, não para se ouvir música, mas para ver e venerar mitos. Nem que seja já na fase de agonia.
Precisamente, Paul Simon trocou as voltas a quem se preparava para mais uma sessão de saudosismo. Chegado aos 50 anos, e ao contrário dos nomes atrás citados, o autor de “Sounds of silence” encontra-se em pleno apogeu criativo. “Graceland” e “Rhythm of the Saints”, discos recentes, são de facto melhores que qualquer dos antigos, do tempo em que formava dupla com Art Garfunkel. E isso foi o que, para muitos, custou a perceber, incomodados com o desconhecimento da maior parte dos temas ou com a complexidade de outros tantos.

Canções De Recompensa

A esses, (cerca de 37562 num total de 45621, 82,33% portanto), restou o prazer da dança, irresistível nos momentos em que a “bateria” brasileira, constituía por Mingo Araújo, Curo Baptista, Dom Chacal e Sidinho, se juntou a Steve Gadd, num festival de ritmos e cadências sincopadas a que os corpos se entregaram sem resistência, ou, em desespero de causa, o recurso inevitável ao ritual dos isqueiros. Registe-se que a este nível, “Hearts and bonés”, embora também um tema lento, por ser menos conhecido, conseguiu a marca pouco representativa de 56 isqueiros acesos, correspondentes à média desprezível de um por 803,57 pessoas.
A sequência final de “encores” (“America”, “The boxer”, “Cecilia” e “The sound of silence”, com Paul Simon praticamente a solo, voz e guitarra acústica, aqui sim, fazendo recordar os primórdios “Folk”) funcionou então como uma espécie de recompensa (curiosamente, ou não, foi nestes temas que o músico se revelou menos à vontade…) para quem já desesperava de cantarolar um refrão ou bater umas palmas a marcar o compasso, de modo a justificar as “milenas” gastas. Foram os momentos apoteóticos da noite, em termos de reacção popular.
Na perspectiva oposta, estritamente de crítica musical, tudo foi diferente, para melhor.

Apoiada por um som excelente (que, seguindo o sábio preceito, amplificou sem agredir, preferindo acentuar os pormenores em vez de recorrer ao truque fácil do totalitarismo dos decibéis) e num jogo de luzes eficaz (que iluminou e deu côr e ênfase aos diferentes ambientes, em vez de ofuscar e distrair), a banda de Paul Simon deu cartas na difícil arte de juntar diferentes tradições conotadas com a “World music” a um discurso rock articulado de forma sempre coerente.

Não Eram Chineses…

Da “jive music” dos negros sul-africanos, com que, logo a seguir a “The obvious child”, abriu o concerto, em “The boy in the bubble”, ao esplendoroso batuque final de “Diamonds on the soles of her shoes”, Paul Simon e os restantes músicos mostraram que não tinham vindo para contemporizar. Que os seguisse quem pudesse. A maioria da assistência seguiu e acabou por entregar-se, quando concluiu que a ocasião não era a ideal para grandes evocações. Talvez patra a próxima, com o Santana…
Na primeira parte do espectáculo, Rui Veloso e os Mingos e samurais não tiveram dificuldade em pegar na assistência e levá-la rapidamente ao rubro. Neste caso as canções eram bem conhecidas de todos e por isso não custava nada trauteá-las em coro. Cumpriu-se o que seria de esperar, com a celebração colectiva de “Não há estrelas no céu”, numa noite que terminou cheio delas – encerrada a série de “encores” de Paul Simon (todos fazendo parte do programa…), os pedidos de “mais” foram calados através do expediente que já se vai tornando habitual nestas ocasiões: o fogo de artifício.
À saída ouviam-se comentários desencontrados: uma jovem fazia comparações com o espectáculo de Tina Turner, afirmando que nunca nessa noite vira “o povo tão maluco”, esquecendo o pormenor importante ds pernas, as de Tina Turner indubitavelmente mais esculturais que as de Paul Simon (por isso ele trazia calças), embora tenham quase a mesma idade. Outro jovem, este mais entusiasmado, assegurava que a banda de Paul Simon “era espectacular, com aqueles sons esquisitos tipo chineses”, logo emendado pela namorada, conhecedora: “Não eram chineses, eram dos Andes”. No fim de contas, para quase todos acabou por ser uma noite de Verão bem passada.

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Tina Turner – “Uma Mulher Dos Diabos” (concerto | antevisão | na capa)

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PÚBLICO SEXTA-FEIRA, 28 SETEMBRO 1990 >> A Semana >> Na Capa

UMA MULHER DOS DIABOS

Depois dos Stones e de Bowie – com quem já atuou em diversas ocasiões – é a vez de Tina Turner: uma voz rouca e sensual, capaz de provocar os sentidos como poucas. A primeira parte do concerto será assegurada pelos Delfins.

Ancas longas e esguias, lábios carnudos, “Soul Music”, a alma voltada do avesso, deixando ver tudo (como os vestidos que usa durante as atuações), as lágrimas e os sonhos, o fogo interior inextinguível, “rhythm’n’blues”, os maus velhos tempos em que era dominada e espancada por Ike, “manager” e marido que não queria saber da emancipação feminina, Phil Spector e o clamoroso falhanço de “River deep, Mountain high”, a voz rouca e sensual, “Acid Queen” no “Tommy” de Ken Russell e amazona em “Mad Max beyond Thunderdrome” de George Miller – outras tantas imagens e sons que invadem a memória, presentes decerto no olhar e nos ouvidos de todos aqueles que se deslocarem ao encontro marcado para amanhã.
Turner provoca os sentidos como poucas. Há quem lhe atribua responsabilidades no sair da casca de Mick Jagger. Os seus gostos não enganam, a energia transborda em cada instante, nas canções, na dança, no constante apelo erótico do corpo e da voz, na opulência radiante das formas.
Mas Tina não é só suor, é também classe – a prová-lo, o convite que lhe foi endereçado pelos “dandies”, ex-Human League, Ian Marsh e Martyn Ware, convidam-na para interpretar “Ball of Confusion”, em “Music of Quality and Distinction”. Tina Turner no papel de grande senhora, diva de ébano reinando entre “babies” oxigenadas de 15 minutos de Top. São 34 anos de carreira recheados de êxitos, culminando no sucesso mundial de “Private dancer” e do “hit” “What’s love got to do with it”. Será que o amor tem alguma coisa a ver com os galardões que então lhe foram atribuídos – Grammies pelo melhor disco do ano (1984), melhor canção, melhor “performance” e melhor vocalista rock feminina? Questão à qual só a própria Tina poderá responder…
Quem não se preocupou muito com isso foi Mick Jagger que, logo no ano seguinte, a convidou para dançar (ou foi ao contrário?) em pleno Live Aid. Tina Turner a todos seduz, de uma maneira ou de outra. Mark Knopfler (produtor de algumas transgressões em “Break Every Rule”) e Eric Clapton não resistiram aos seus encantos. Amanhã à noite vai ser a mesma coisa: poder ver, ao vivo, a energia em carne viva – no corpo e na alma de uma mulher endiabrada que persiste em querer vencer o tempo. E tem-no conseguido.
LISBOA Estádio José de Alvalade, Sáb, 29, às 21h00

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Depeche Mode – “Liturgia Da Perversão” (concerto | estádio de alvalade)

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destaque >> sábado, 10.07.1993

Depeche Mode
Liturgia Da Perversão

Começaram por ser meninos ladinos que brincavam com sintetizadores de plástico e percussões de metal. Dos “hits” que levaram a música industrial para as pistas de dança, os Depeche Mode passaram a manequins de estádio. Alvalade vai ser a catedral onde farão ouvir a sua “música para as massas” e as suas “canções de fé e devoção”, onde misturam sexo e religião.

É verdade, os Depeche Mode actuais vestiram os paramentos e são os celebrantes de um novo tipo de missa. Para Martin Gore, músico e mentor espiritual da banda, “a maior parte das pessoas deixou de ir à igreja e agora os templos são lugares semidesertos e as pessoas necessitam de um substituto para essa ausência”, como afirmou em entrevista exclusiva ao PÚBLICO [Pop Rock de 7 de Julho].
O estádio passou, então, a ser o local privilegiado de novas liturgias. O problema está em que Gore, no seu papel de apóstolo, não se preocupa tanto em transmitir uma mensagem com conteúdo específico, mas, ele próprio confessa, em “’flirtar’ com a imagética rea”, ou seja, “não ao nível da crença mas da iconografia” – o que significa a inversão do próprio termo “religião”. No fascínio exclusivo pelas formas, no deslumbramento pelas imagens, os Depeche Mode instauram o vazio. Mas não é, afinal, isso mesmoq eu eles t~em vindo a proclamar desde a ´poca em que gravaram “Black Celebration”, álbum negro onde dissecavam “a vida na denominada era espacial”?
Sabe-se, de resto, o efeito que a música, ou o discurso inflamado de um político, tem sobre o comportamento das massas. Frank Zappa sabia-o melhor do que ninguém quando, num concerto que realizou há anos, na Alemanha, conseguiu pôr a assistência inteira a fazer a saudação nazi. Nessa redução do indivíduo à massa amorfa, sabe quem sabe a maneira de aproveitar a energia que se liberta de milhares de corpos funcionando na cegueira de maquinismos em uníssono.
Se a noção de maquinismo permite compreender o desenrolar de um espectáculo de rock de estãio em geral, melhor ainda se aplica à música dos Depeche Mode em particular. Herdeiros assumidos dos papas da desumanização e da música tecnológica – os alemães Kraftwerk -, os Depeche Mode, desde a assunção do “techno pop” de tend~encia industrial até às inflexões “blues” e “gospel” que emergem no novo álbum “Songs of Love and Devotion”, têm vindo a cobrir de pele e carne o corpo frio de um manequim.
Forçados em parte pelas circunstâncias de um sucesso comercial que nunca parou de aumentar, sobretudo a partir de “Music for the Masses”, a assumirem-se como representantes da face humanizada da “techno”, o grupo viu-se impelido a moderar o discurso e a limar as arestas da música – de modo a tornar mais perfeita a ilusão e a não assustar em demasia o seu público, maioritariamente adolescente.
Daí também o modo como foi estruturado o novo espectáculo ao vivo, com as imagens de vídeo (assinadas pelo fotógrafo Anton Corbijn, colaborador habitual dos U2, David Bowie e Brian Eno) em movimento de mutação lenta, por oposição à estética de fractura que caracteriza os vulgares “videoclips”. De modo a levar, à semelhança do que fez Zappa na ocasião mencionada, as pessoas a chegarem ao ponto pretendido – de forma gradual e sem se darem conta. Como se a perversão fosse a coisa mais inocente do mundo. Até à heresia final, num dos temas que terminam a “devotional tour” dos Depeche Mode: “Personal Jesus”, acompanhado pelo “strip tease” de Dave Gahan, que ao mesmo tempo se auto-acaricia. E, a fechar, “Everything counts”, cantado em coro pela assistência, sem qualquer acompanhamento – a música das massas.