Arquivo mensal: Março 2009

David Thomas – artigo/entrevista (“Bay City”)

19.05.2000
David Thomas Lança “Bay City” Inspirado em Raymond Chandler
Mudar o Rock de um Lugar para Outro

Não é fácil captar o que David Thomas tem para dizer. “Há uma mosca na pomada”. “O rock é uma mudança de uma grande caixa preta de um extremo da cidade para o outro nas traseiras do carro.” Nem o vírus da linguagem de Burroughs serve para explicar o mundo idiossincrático do líder dos Pere Ubu – a “membrana que separa o indivíduo do mundo”. “Bay City” é o seu novo álbum a solo. Inspirado na obra do escritor de policiais Raymond Chandler. O PÚBLICO falou com o “senhor das moscas”.
David Thomas é o cantor, ideólogo e líder carismático dos Pere Ubu, a mais importante banda norte-americana da geração pós-punk, juntamente com os Devo, Talking Heads e Suicide. Se a discografia do grupo tem sido o filme clandestino das mil e uma paranóias do “way of life” americano, em álbuns históricos como “The Modern Dance”, “Dub Housing”, “New Picnic Time” ou, mais recentemente, “Ray Gun Suitcase” e “Pennsylvania”, a carreira a solo de Thomas diverge ainda mais de qualquer manifesto de intenções ou da crítica social mais redutora. Thomas é um filho de Alfred Jarry (“Pere Ubu” é uma personagem criada por este escritor surrealista), o seu discurso, musical e poético, está pois longe de ser linear e as suas elucubrações escapam a qualquer interpretação ou ideologia, quando seria fácil enquadrar os delírios deste gordo com voz de criança em agonia num cenário freudiano, de psicologia de pacotilha. “A música rock é quase toda sobre transportar grandes caixas pretas de um extremo da cidade para o outro, na traseira do carro” é uma das tiradas elípticas deste músico que uma vez afirmou que “havia música a mais”. Instado pelo PÚBLICO a explicar um pouco melhor aquele conceito, respondeu: “Sim!”
“Bay City” é o capítulo mais recente de uma viagem pelos meandros de uma mente inquieta. Depois de formações erráticas como The Pedestrians – com os quais gravou o seu primeiro trabalho a solo, “The Sound of the Sand” -, os Wooden Birds e os The Pale Boys (presentes no álbum anterior do cantor, “Erewhon”), David Thomas chamou desta feita para o acompanhar, três músicos dinamarqueses, P. O. Jorgens (bateria, percussões e vibrafone), Jorgen Teller (guitarras e órgão Casio) e Per Buhl Acs (clarinete, melódica, guitarra “slide” e baixo) e chamou ao novo grupo The Foreigners.
“Bay City” tomou como fonte (curiosamente, como nos conta o canto, o encontro entre ele e o nórdico teve lugar num concerto organizado em redor de uma fonte em Copenhaga) de inspiração a obra do escritor de livros policiais Raymond Chandler. O jazz, a folk e o cinema encontram-se numa paisagem, como sempre, sem centro definido. Como faziam os surrealistas. “Procuro sempre inventar histórias a partir de recordações, experiências e visões partilhadas. Sons e palavras são sinais de código úteis para concretizar este propósito. Ao longo da minha carreira debrucei-me sobre aquilo que existe debaixo da superfície, do conhecido. O que envolve matérias folk”, explica.
As palavras e as ideias nem sempre são perceptíveis. Seja numa escala larga como o show “Disastrodome” que Thomas montou há dosi anos em Londres, no “musical” “Mirror Man”, gravado com convidados como Peter Hammill e Linda Thompson, entre outros, ou numa frase como esta “Está uma mosca na pomada” (do álbum de 1979, “dub Housing2), a suspeita de segundos e terceiros sentidos instala-se. Apesar disto, David Thomas não quer ouvir falar de uma frase como “a linguagem é um vírus”, proferida por William Bourroughs: “Tenho por hábito nunca concordar com nada que Burroughs tenha dito… ou possa dizer, ou pensar que tenha dito…”
Além dos álbuns já citados, David Thomas gravou a solo “Variations on a Theme”, “Winter Comes Home”, “more Places Forever”, “Monster Walks the Winter Lake” e “blame the Messenger”. Proferiu a conferência “The Geography of Sound in the Magnetic Age”, promoveu o espectáculo correspondente, “The Fall of the Magnetic Empire” e é dele a máxima “A arte existe para revelar segredos e, ao mesmo tempo, preservá-los”.
Também cantou a “Aria”, de John Cage. “Foi interessante, sobretudo, a maneira como foi feito”, explica Thomas, sobretudo “para alguém, como eu, para quem a improvisação é como que uma segunda natureza. O desafio foi a abordagem de uma peça escrita com a finalidade de obrigar músicos de formação clássica a saírem dessa formação e a improvisar. Senti-me estranho, a seguir uma partitura e, em simultâneo, a procurar sair dela”.
“Bay City” faz o ponto da situação no percurso musical e ideológico de uma personalidade ímpar. “O meu trabalho é serial”, explica o seu autor, “tudo flui de um projecto para o seguinte. Não faço parte do negócio de arranjar uma carreira pop. Preocupo-me antes de manufacturar cultura. Sob esse aspecto, o álbum não fala de mim. É sobre o interface, sobre a membrana que separa o indivíduo do mundo”.
No horizonte perfila-se já um novo álbum dos Pere Ubu, a sair no final do ano, com o título “Radioshacking America”. Entretanto, o grupo gravou um tema intitulado “Wasteland” para o próximo projecto de Wayne Kramer. O “pai Ubu” a inquietar, como sempre fez, a “mãe América”.

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Strawbs – Hero and Heroine (conj.)

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22.01.1999
Reedições
Obrigado, Cristo Pela Bomba
Os “blues” e a paranóia, o rock sinfónico e a poesia de um bardo celta – três apontamentos nas margens dos anos 70.

Os Groundhogs nasceram no final dos anos 60, isnpirados pelos “blues” de John Lee Hooker e pela pop dos Beatles e dos Kinks. Mas é no início da década seguinte que o grupo do guitarrista Tony McPhee atinge a maturidade e a popularidade. “Thank Christ For the Bomb”, de 1970 (reedição remasterizada), terceiro álbum da banda, reflecte a nota de estranheza que sempre caracterizou a música do grupo. A temática antibelicista, perspectivada com uma ironia e uma crueza pouco habituais na época, funciona como suporte de uma música assombrada por melodias aveludadas (John Peel tocou até mÀ exaustão o tema “Soldier”, cujas mudanças de tom e “nuances” vocais deixam adivinhar a presença fantasmagórica de Paul McCartney e Ray Davies…) e uma leitura dos “blues” pautada pela suavidade. Uma sonoridade estranha, fora do tempo e das regras de um estilo, “os blues”, que tony McPhee condensa no formato guitarra/baixo/bateria de forma inigualável.
Esta estranheza acentua-se em “Split”, de 1971, com reedição também remasterizada. “Split” disseca a paranóia e a dissociação de personalidade sofridas por McPhee, na consequência de um “flipanço” (seis meses de “bad trip”, incluindo a ressaca…) provocado pela ingestão involuntária (?) de LSD. A guitarra explode literalmente, nas quatro secções que compõem o título-tema, em solos de uma violência, intensidade e experimentação sónica que tocam o génio de Jimi Hendrix. O público britânico vibrou com o sofrimento e fez de “Split” um dos álbuns mais vendidos de toda a carreira dos Groundhogs – chegando ao 5º lugar do top.
“Hogwash”, de 1972, já com Clive Brooks, ex-Egg, no baixo, em substituição de Pete Cruickshank (que nunca chegou a recuperar a sanidade mental, também ele exagerando na dose de LSD…), introduz pela primeira vez a electrónica na música dos Groundhogs, acentuando ainda mais a dicotomia entre a força e a simplicidade emocional aprendidas com os mestres dos “blues” e um lado mais conceptualista e abstracto que McPhee constrói com o “mellotron” e uma panóplia de sintetizadores. Entre os “blues” psicadélicos e uma mutação aberrante da música cósmico-progressiva, “Hogwash” infecta como uma bactéria demoníaca. (BGO, Distri. Megamúsica, 8, 8, e 8)

Curiosamente, em paralelo com estas três reedições, foi lançado no ano passado um novo álbum dos Groundhogs, “Hogs in Wolf’s Clothing”, que assinala o regresso de Tony McPhee às origens, com uma colecção de versões de temas de outro dos seus heróis, Howlin’ Wolf, “bluesman” do Inferno, do abandono e do desespero absolutos. Uma viagem através da noite e da solidão, com a guitarra eléctrica de McPhee galgando até aos limites da desolação. (HTD, Distri. Megamúsica, 7)

LINK

No extremo oposto do espectro da música dos anos 70, estão os Strawbs. “Hero and Heroine” e “Ghosts”, ambos editados em 1974, regressam remasterizados, como exemplo de uma música que nessa altura já deixara para trás a herança folk dos primeiros álbuns e superara o trauma provocado pela saída de Rick Wakeman. Nasciam os grandes instrumentais e as profundas tiradas poéticas típicas do rock sinfónico, na sombra dos Genesis e da herança dos Beatles, para onde Dave Cousins, vocalista de inquestionável carisma, empurrara o grupo. Sem atingir o brilho e a originalidade dos anteriores “From the Witchwood” e “Grave New World”, os Strawbs aproximavam-se aqui do fim de uma carreira, que se foi esvaindo num rasto de teatralidade e elegância. (A&M, import. Lojas Valentim de Carvalho, 6 / 6)

Ao contrário de Dave Cousins, Robin Williamson é um verdadeiro bardo. O cantor e multi-instrumentista dos Incredible String Band, extinta a sua parceria, nesta banda, com Mike Heron, pegou na harpa, viajou para a sua Escócia natal e perdeu-se nas névoas da mitologia e música célticas. Não é bem o caso de “Dream Journals 1966-76”, fragmentos instrumentais e peças declamatórias (exploradas por Williamson nos Merry Band), que o músico recuperou e alterou para criar um novo painel de sonhos onde o surrealismo se cruza com a magia das histórias e lendas que o ex-Incredible String Band narra de forma quase radiofónica. “Dream Journals” devolve-nos o prazer da escuta dapalavra. Da sua música, dos seus desenhos, das suas entoações mágicas. (Pigs Whisker, import. Virgin, 7)

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7 Cidades – Lenda Do Arcebispo

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05.02.1999
Portugueses
7 Cidades
Lenda Do Arcebispo (5)
Ed. RTP Açores, distri. Disrego

“7 Cidades” começou por ser um espectáculo teatral do grupo Comédia d’Enganos, com base numa lenda sobre a lagoa açoriana das Sete Cidades, posteriormente adaptada para televisão pela RTP-Açores, que funcionou ainda como editora do presente registo discográfico. Nas notas introdutórias pode ler-se: “Aqui se cruza a dualidade da alma humana com alguns dos sinais telúricos que insinuam, entre assombros e nevoeiros, as nossas atlânticas mitologias.”
Quando se trata dos Açores e se fala em telurismo, o nome de José Medeiros não dev andar longe. De facto, o autor de “Feiticeiro do Vento” é um dos protagonistas de “Lenda do Arcebispo”, um álbum pleno de imagens e letras eivadas de simbolismo e misticismo. Medeiros canta “Talismã” e “7 Cidades (tema d’amor)” de forma mais discreta da que lhe é habitual, declamando ainda um curto poema em “Labirinto de fogo”. Dulce Pontes, outro dos convidados de “Lenda do Arcebispo”, assina as vocalizações principais em “7 Cidades”, “Idade d’ouro” e “Baía do silêncio”, qualquer delas sem razões para se destacarem da vulgaridade das composições, dentro daquele estilo que se convencionou chamar nacional-cançometismo, embora tomando como referência, no caso de “Baía do silêncio”, alguém como Simone de Oliveira.
De resto, todo o álbum sofre de alguma indefinição e da falta de rasgos de composição que façam jus às ambições do tema escolhido como fonte de inspiração, com o citado telurismo a aflorar apenas em “Dies Irae”, polifonia vocal grave e profunda, de terra e profundezas: “Agora a terra vai tremer / Agora o magma vai correr / Agora o grito vai romper / A nossa sorte / Agora a terra vai secar / Agora o tempo vai parar / Agora a lava vai lavrar / A nossa morte.” A voz solitária de Rita Ferreira apaga, por fim, em “À roda das 7 cidades”, a chama de um dragão manso.