LINK ("Acasa Night Ride" - partea 1) LINK (Ride Home "- Partea 2)
Anii '80 nu au fost la fel de Joni Mitchell sau ea a fost un fel la 80. "Lucrurile Wold rapide Run" (1982) "Dog Eat Dog" (1985) "Creta Mark într-o furtună Rain" (1988) şi Night Ride Home "(1991) au fost (MIS) luate timp lag. Cântăreaţă de origine canadiană a replicat, arderea optzeci "ca deceniu al decadenţei şi materialismului. Dar Joni binevoit şi aceste patru lucrări pot fi considerate mai slabe din Discografia lui. Departe de jazz şi venă experimentală a "fluierat de peluza de vară", "Hejira," şi "Mingus", sa implicat în pop, dar a renunţat prost cu superficialitatea o muzică formatat în cele mai multe electronice din plastic. În cazul în care "Wild Things" poate fi apreciat ca pentru a simplifica operarea, cu intrare în rock FM, "Dog Eat Dog" vine în jos pentru a toarele de electropop şi "Chak, desene ..." scufundarea în noroi, îmbogăţind doar colaborari (Peter Gabriel, Willie Nelson , Tom Petty, Billy Idol). În "Night Ride Home" Din fericire, Joni scuturat praful şi răceală a ochilor şi aranjamentele, trezirea din nou la mare melodii. Discuri, remasterizate, reapar în cutie de carton şi se referă la faptul că sunt simplificări a originalului.
Dan Ar Braz făcut pentru viaţă. Chitarist, care la însoţit Breton ani Alan Stivell primul Harper, trod drumul care duce la castelul stele. Astăzi, ca Carlos Nunez şi căpetenii, bronz este un star care îşi pot permite să arunce în aer bugetele acizi, invitându-folclorice şi artişti rock nominalizat. Fondator al proiectului mega "Patrimoniul des celţi" angajat de la acel disc modalitate uşoară de afară, care încearcă să ajungă maselor prin intermediul choradinho "new age" şi carte poştală de misticism celtice, fierte în cazan de fuziuni. În "Un Toi et Ceux" fără păstrăvul mare în studio (numai Martin O'Connor, pe acordeon), bronz vinde un pic mai mult suflet la diavolul. "Mary's Dancing", cocktail Celtism uşoară şi muzică africană, cu pindérico aranjamente, şi "Priveste in jurul tau" nu vorbesc în favoarea. Pe de altă parte, "fisel lui Dan" oferă o bună performanţă de Ronan Baruri Le în "uillean Numit" în ciuda temei şi "orgiile Nocturne" (cu bombarda bună şi prog chitara electrica), trage inapoi exact moment, în anii '70 Alan Stivell a anunţat că în lumea rock folk Breton, albumul "Chemins de Terre". Restul, aproape totul a fost de peste.
George Brian Sf. Petru Baptiste de la Salle Eno. Brian Eno la prieteni. Daramate, reconfigurat şi a fugit ca dracu 'la pop, creând cu muzica lui discrete "bazele unui imobil nou, cu eticheta" de mediu "pentru electronica de astazi. Dar la început a fost trucurilor şi experimentarea cu culori şi forme de pop, citit, să recitim şi regurgitated ca ceva a rămas în standarde sau, pentru a utiliza lexiconul sine, elaborate în cadrul strategiilor "oblíquas2. Eno a abandonat doar Roxy Music, în cazul în care puterea de imaginea sa a fost spumare cu gelozia dandy Bryan Ferry. Pene şi paiete si un sintetizator de a aduce acasă pe la "Vino aici Jets cald" album, să se răsucească gâtul într-un efort de a găsi referinţe liniştitoare. Nu a fost. Aici, pop de Ruth Marlene aristocrat din părul rărit şi pictura sa estompat sechestru, melodii nu părea întotdeauna să bate joc de regim într-o muzician "non", care a inclus eroare şi şansa în felul său. Unele teme sunt spart. Directă, picant, şi totuşi, rulează cu piciorul-coapse, cum ar fi "Blank Frank" şi imnul care arde, "Baby's on Fire". Chitara lui Robert Fripp si Phil Manzanera format siguranţă. În între, pimba testare şi balade false, cu mândrie ca "unele dintre ele sunt vechi." Bowie învăţat lecţia. "Luând tigru de Munte (prin" Strategia este capodopera prima Inspirat de strategiile "oblic", iar picturile lui Peter Schmidt, detaliază debuteaza pop discului.. Imposibil de a clasifica aceste melodii care suna familiar şi străin, simplu şi incredibil de complexe Eno. non-muzician, descoperit în fiecare notă, fiecare la rândul său, manipulări studio, plăcerea de copil care se joaca cu necunoscut. "roata adevărat" foloseşte o maşină de scris pentru a face pasul si hipnoza finală "Luând Tiger Mountain", este o creştere lentă într-o spirală, "trompe l'oeil" auditive ale căror cercuri sugerează o mişcare, care este pură iluzie. Cu "Vino aici Jets cald" (unul din Biblii de post-rock) Eno începe eliminarea acestuia de la pop la abordarea un cântec din fragmente. Vocea se stinge la las sa straluceasca electronica si efecte speciale, melodii sunt ascunse şi se dezvăluie în jocuri de piele de bivol orb, dar totul este iluminat într-o nostalgie de aur la "ore de aur", o evocare pură nu este bine cunoscut că glorios trecut. Fripp, Phil Collins şi John Cale sunt unele dintre participanţii la acest album din coincidenţe şi şopti confidenţe prea mic pentru ei strada furate într-un fel. "Înainte şi după ştiinţa" ar trebui să fie aranjate pe rafturi de înregistrări de bază ale anilor '70. Este a reveni la cantece si colaje construit, dar acum învăluită în ceaţă în urma unui contact minime între germanice şi Double Eno Cluster, o temă ca "Prin acest râu" este o influenţă decisivă în ambele direcţii, precum şi Mobius şi Roedelius sunt lăsate încurcate în ochiuri de limba engleză în "Cluster & Eno" şi "După căldură." "Înainte şi după Ştiinţă a anunţat, de asemenea, noul val în splendoarea concentración său de energie. pălăria lui King conduce "este un tribut adus de anunţuri în anagrama, şefii Talking şi nr" O primire "şi" duplica lui Kurt "face compania bună alături de trilogia lui Bowie de la Berlin, pentru care acest record va deveni lectura obligatorie . Eno inventat ştiinţa propriu şi a petrecut următorii ani pentru a teoretiza despre asta. Va urma faza de nemulţumire, metamorfoza cerului peste Manhattan-ului şi visul de muzică într-un pat de spital cu care a reinventa, ca John Cage, tăcere. În primul rând, cu toate acestea, merită să luaţi aceste patru albume, care fac bălălău pop.
Printre prezentare live, sponsorizat de John Berry, şi editarea de ultimul album şi al doilea, "Vocea care ma cruci," Mafalda Arnauth a evoluat de la interpret fenomenal Amalia pentru unul dintre cele mai puternice şi pline de emoţie voci feminine de fado. Arată mâine la Culturgest, la ora 21:30, este consacrarea altul. Nascut la Lisabona 27 ani în urmă. A fost departe de gândire care ar fado profesie. Dar asta a fost încă de la începutul carierei sale, atunci când puţini ştiut darul de vocea lui. Astăzi, cu două albume publicate, cel din urmă, care este considerată unul din discuri mari de muzică portugheză a acestui an, a fost "târât" prin mai multe "sub forma ciudat de viaţă imaginabil. soarta inevitabilă a Divas. Recent a devenit primul artist portughez să fie reprezentată la nivel internaţional de Virgin, cu noul album care urmează să fie lansat în această etichetă în Belgia, Franţa şi Spania. Va fi însoţită de la Culturgest Elmiro Jose Nunes (portugheză chitara), Jose Antonio Mendes (Viola de FADO), Rodrigo Serrao (bas) şi, în calitate de invitat la două piese, John Courinha (saxofon).
FM - faptul că acum o parte din catalog a Maicii Domnului este un semn de recunoaştere internaţională?
Mafalda Arnauth - este o situaţie fără precedent. Pe lângă faptul că a fi un editor pentru a paria pe mine acolo este diferită de vedere pentru a merge la diferite ţări să mă prezint la un număr limitat de oameni. Este o realizare fantastica.
FM - încă îşi aduce aminte când a declarat că el n-ar trăi cu capul de soarta?
Mafalda Arnauth - (râsete) Îmi aduc aminte! Există încă zile am primit un telefon de la un coleg de curs [] veterinar asking eu cum am fost de gând să faci cu examenele! Nu există o astfel de presiune, dar soarta lor este mai puternică decât mine ...
FM - ar fi încă posibil să se întoarcă?
Mafalda Arnauth niciodată -. Fado ca "hobby" a devenit imposibil, cu portofoliul de munca pe care am deja şi care domină viaţa mea pentru următoarele luni. Dar nu îmi place să mă gândesc în viitor, dacă nu pot fi aici în 50 de ani şi cu totul functioneaza bine ... Este întotdeauna important să vii în fiecare perioadă de timp, apoi, de altfel, ceva se întâmplă întotdeauna, până când aveţi nevoie pentru a opri pentru un timp şi de respiratie profunda. Dar soarta a devenit alegerea mea.
FM - Vă mulţumim pentru a vă că uşile au fost deschise la cantareti ai generatiei sale?
Mafalda Arnauth - discul meu a venit doi ani în urmă, când a existat un singur disc de soarta oamenilor din generaţia mea. Cristina Branco au editat unii, dar numai în Ţările de Jos. Acum a venit greu de Katia Guerreiro; emerge, sperăm, Ana Sofia Varela. Sunt un exemplu că, dacă ceva, este nevoia de a avea o identitate. Unele dintre proiectele care sunt în curs de dezvoltare din ce în ce fug de a copia. Doar fotografii de articol pe care a iesit ceva timp în Y îşi dă seama că toate cantareti sunt diferite şi toate acestea sunt în căutare de identitate, care, dacă a găsit o Amalia "nou" ... Noi vrem să-l fals. Până din respect pentru sine, Amalia Rodrigues.
FM - faptul că vor să acţioneze mai des în străinătate, pentru cei care cunosc deja discul dvs., vă va schimba structura performanţele lor?
Mafalda Arnauth - Sunt într-o etapă de a face concesii mai puţine. Chiar şi în Portugalia, tendinţa este de a se concentra pe expunerea de cine sunt eu şi nu primesc mai multe palme. Acest lucru presupune că, în prezinta doar fac ceea ce vreau. Dacă sunteţi cantand pentru o audienta care preferă viteză, ştiu că canta este un spectacol plin de unelte simt că nu am fi adevărat.
FM - Evenimentele recente din lume, după 11 septembrie s-au reflectat în modul său de a compune, să trăiască şi să cânte?
Mafalda Arnauth - Unul dintre senzaţii prima am avut când am fost uitat la televizor a fost că el a fost sa priveasca un film. A fost nevoie de timp pentru a internaliza ceea ce se întâmpla. Există o lume aici şi o lume în noi. Şi în interiorul dintre noi există, probabil, multe "Twin Towers", atât de vulnerabile, de genul asta. Am nevoie de mai multe şi mai multe interioare de pace, care devine tot mai dificilă. Tot ceea ce sa întâmplat va avea consecinţe şi nu ştiu dacă suntem conştienţi de acest lucru. Valorile de supravieţuire pot fi compromise. Oamenii vor trebui să cred că ceea ce este mai important este problema (suntem teamă că planeta spargere la o dată), sau dacă spiritualitatea lor în lume, care este pe genunchi. Violenţa naşte violenţă.
FM - Cum aţi găsit această pace interioară?
Mafalda Arnauth - trece prin stima de sine si stima de sine este, nu cred că noi înşine ca cel mai bun om din lume, dar ne aceitarmo şi altele. Trupul meu este în cazul în care locuie º te spiritul meu. În cazul în care spiritul meu dispărea mâine, nu pentru a rămâne. Pace vine acolo.
Incitant ştiri: Tuxedomoon sunt în viaţă. Mai bine, au inregistrat un nou album. Se numeşte "Cabin in the Sky" şi este cel puţin la fel de bun ca albumele clasice ale trupei din San Francisco, care a debutat cu "Half-Mute" Locuitorii din aceeaşi societate şi a semnat capodopera "Desire" sau enervant şi subterane "Apartament en Sous-Sol". Ran 80, cu trecerea timpului toate acestea, rămâne intact dar cel mai bun - un sound unic şi cântece care par sa se prabuseasca in orice moment, dar acestea în cele din urmă stea mândru în propria logică. Saxofon şi clape şi vioară Steven Brown Blaine L. Reininger face sunet. O poveste de dragoste ciudate (se spune adesea, şi este capabil să fie adevărat, că formaţia Tuxedomoon sunt cele mai european al Americii) şi combinaţii ciudate de scrisori în limba italiană ("Diario de ONU egoist", "Luther Blisse) şi medii filmului sunt melodii. Foaie de promovare nu schimb laudă şi atunci când încearcă să definească "Cabin in the Sky", să se asigure că discul ridică ascultător "impresii simultane de Miles Davis, germană electronice, Paolo Conte, Radiohead, Debussy, cyber-ţigani, Michael Nyman , Velvet Underground şi o duzină de alţii. " Actualizarea placerea de a vedea vreodată menţionate Paolo Conte, albumul Tuxedomoon este "vintage", deşi de data aceasta, grupul a ajutat colaborari a lui John McEntire, Akasaka Maboul, Tarwater, Marc Collin, şi DJHell jurat. Mai la obiect, aceeaşi foaie, se deschide un catalog de pictura si posturi nume Pollock, Bacon, Miro şi Dali. Deja face mai mult sens. Fiecare cântec este un hibrid care cuprinde multe influente, fiind în imagini deformate şi de o frumusete care atinge înălţimi de suprarealism, în "La Bella Piu", construite dintr-un eşantion cu voce de un italian anonim. La cealaltă extremă, "Aici" pana de Craciun "este electro, datorită prezenţei de DJHEll, la fel ca acum doi ani a înregistrat o serie de remixuri al unuia dintre cele mai vechi teme ale Tuxedomoon" fără lacrimi "şi" Mike chinez "combină elemente de Cabaret Voltaire, respiraţie şuierătoare, o secţiune corn şi a lovit in mod fals "casa", in timp ce "Insula" valuri clei de poluarea fonică roz, barbotare sintetizator şi un saxofon languros, într-un ton similar cu solo mai experimentale albume Principiul lui Peter, şi "Luther Blissett" (din nou cu versuri în limba italiană) este la intersecţia dintre tehnologie irezistibil bate cu "free jazz". Există medii de obicei Marţi, gheaţă nostalgie, un bas puternic ("o casă departe", îi trage un pumn în stomac), acordeon, programare bordel jazz puternic şi cântece de mare, cum ar fi "Baronul Brown," între declamaţie şi "catchiness" cu ceva care aminteste de wigwam finlandezi. Atitudinea nu este la fel de punk ca la inceput, dar inteligenta si îndrăzneala sunt încă intacte. Tuxedomoon a devenit una dintre benzile de mare de secol. XXI şi "cabinelor din Sky" are eleganta un costum Armani.
16/01/1998 World / CELTA Iertarea păcatelor Dacă în unele cazuri, trecerea timpului pot denatura muzica, celălalt are un efect de calitate si rafinament a unui stil. Aceasta sa întâmplat cu trei nume reputate populare celtice, ale căror înregistrări nu au trăit întotdeauna până la pergamentele lor: Dan Ar Braz, luna şi Ceolberg. albumele lor noi sunt nici una dintre ele surprize placute. Sunet de harpă este încă lumină, judecând după lucrări noi de Wendy Stewart şi Sileas.
Bine ai venit, domnul Dan Ar Braz, printre cei care resping de prisos, şi mistificare. Pentru acest fostul chitarist de Alan Stivell a deschis noi porţi care parea a fi definitiv închisă de stadiul incipient al călătoriei sale la sol - marcat de ani de stil în jurul unei anumite "tradiţii celtice de jazz din Marea Britanie, dar învelit în aură de "a asculta uşor" undemanding. Dar Dan Ar Braz a fost modificată de o parte, oferindu-ne în "Finisterre" o lecţie despre cum să faci un cântec adresat majoritate, fără a da un drum liber formule de masă. Chiar mai mult decât "L'Heritage des Celtes", care a continuat să servească desemnarea colective de participanţi ", Finisterre" incepe ca un nume de înfiorător colegiu Sonata da Europene muzică celtică rădăcini: Lunny Donal, Bridgeman Noel, Nollaig Casey, Jacques Pellen, Donald Shaw, Gilles LeBigot, Carlos Nunez, Sharon Shannon, Karen Matheson, Maire Ní Chatasaigh, Gilles Servat, Máirtín O'Connor, Liam O'Flynn şi Bagad Kemper, printre altele, mai puţin pe nume. Ar putea fi un catalog de vânzare cu amănuntul, dar nu este. Cu unele surpriză, având în vedere istoricul, "Finisterre" demonstrează un scop şi o unitate de iesit din comun. Desigur, totul functioneaza pe aceeasi scara a proporţional cu greutatea de aceste nume, dar fără a simţi vreodată că altă greutate, mult mai puţin demn, excesive. Se simte bine să aud Carlos Nunez, o dată eliberaţi de tentaţia de a rolului usor, revenind la gustul pentru simplitate în tradiţionalul "La Costa de Galicia, cu aranjamentul şi Lunny Donal care au luat producţia totală a proiectului. Trebuie să spun, de asemenea, că el are la partea lui în această chestiune, Sharon Shannon, pentru a pune în loc. Există ceva pentru toată lumea de aici, pop şi tradiţie impletite, antice şi moderne voci, detalii tehnice de excelenţă inserează în locul potrivit făcut ca un tort, care, de data aceasta, Dan Ar Braz pasa mai puţin despre glazură decât cu calitatea de masă. Fusion? Fără îndoială, cea mai veche tradiţie în limba de energie electrică şi astăzi, aşa cum este ilustrat printr-o exemplara "Labroella" în cazul în care tema strămoşi din colţul Manu Lanhuel se potriveşte în mod natural în stil, aproape progresivă, chitare electrice şi 12-string acustice Dan Ar Braz şi Jacques Pellen. Un alt indice de remarcat această alianţă între două momente diferite este, chiar sub magnific menţinut dialogul între cele trei "tevi uillean de Ronan Le Baruri, Casey Nollaig pe vioară şi acordeon diatonic Donald Shaw, un" Breton folk rock irlandeză "plin de vitalitate si prospetime (Beaver, distribuţie, Sony Music, 7).
Cu 18 ani de existenta Ceolbeg scoţienii au avut o carieră plină de evenimente, marcate fie prin schimbul de muzicieni sau de limitate şi nu întotdeauna producţiile record pe exemplar. "Ceolbeg 5" după cum indică şi numele, al cincilea album al acestei trupe - care a efectuat trăiesc printre noi, intr-un concert în Amadora - merită premii. Dacă trecutul recent în albume, cum ar fi "Seminţe de vânt" şi "O neloiale Dance", dinamică muzicale a functionat pe baza alternativ balade vocale, interpretat nu întotdeauna impecabil (Ceolbeg nu se disting prin care au cantareti bun ...) şi construit pe o stanca instrumentala ritmice relatărilor în "Ceolbeg 5", nu există o schimbare de 180 de grade. a dispărut şi rock apărut în locul său o subtilitate instrumentale (înainte accentul era pus pe energie), care nu a fost mult timp văzut în grup. Ceolbeg sunt, cel puţin pentru moment, un grup clasic, capabil să călătorească în condiţii de siguranţă ca "unitate" puternic "ţevi Highland în toate seturile de" care este chemat să împărtăşească Noul element de Mike Katz, şi poezie de voce, "clarsach (harpă Scoţian), sau electrificate harpă Wendy Stewart, care pe acest album extinde competenţele sale în efectuarea concertină. Como que não querendo cortar de forma abrupta com um passado feito de algumas cedências, os Ceolbeg ficaram-se desta vez, felizmente, em termos de “fusão”, apenas pela escrita. Assim, o “jazz funk” mencionado no tema inicial é sobretudo um estado de espírito que anima a incandescência das “pipes”, bem como o “reggae” (que ainda há bem pouco fez naufragar os Ceolbeg nas águas de algum mau gosto…) não passa de nota de rodapé numa composição de Robert Burns (“Willie Wastle”), onde se projecta uma hipotética passagem deste noma mítico da música e da poesia escocesas pela Jamaica. Mesmo em “The Nodding Song”, outra composição de Robert Burns, o compasso de ressonâncias jamaicanas dilui-se no fraseado da harpa e na fluência e acentos, absolutamente célticos, da gaita-de-foles de Mike Katz. O último tema, “The Gaberlunzie Man”, reforça de forma definitiva o novo estatuto dos Ceolbeg: é uma balada de extraordinária beleza, cujas entoações vocais mergulham no mais puro estilo tradicional e onde todas as partes, do tapete de teclas clássicas, à harpa e às “Highland pipes”, funcionam ao serviço da magia desta composição épica. Está ao nível do melhor que se pode encontrar no clássico “Celtic Hotel”, dos Battlefield Band, aos quais os Ceolbeg começam a morder os calcanhares. Temos Ceolbeg naquele que é, sem sombra de dúvida, o seu melhor álbum de sempre (Greentrax, distri. MC – Mundo da Canção, 8).
Wendy Stewart, harpista dos Ceolbeg, prossegue com “About Time 2” a sua aventura a solo, iniciada em moldes semelhantes na estreia, “About Time”. Nas variantes acústica e electrificada da harpa, em concertina, e voz, Wendy faz-se acompanhar neste seu segundo registo por três seus antigos companheiros no grupo, Gary West, nas “scottish small pipes” e “low whistles”; Colin Matheson, na guitarra; e Jim Walker, em tambor e percussões. Álbum feito de delicadeza, sempre que a harpa murmura os seus “airs” e marchas tecidas em filigrana, “About Time” apresenta uma curiosa selecção de temas, que inclui, além de tradicionais e originais da harpista, versões de “The Kitchen Piper”, de Donald McLeod, “The January Man”, de Dave Goulder (cuja vocalização faz lembrar uma June Tabor de voz mais doce), e “Fotheringay”, um dos temas mais antigos dos Fairport Convention, com a assinatura de Sandy Denny, aqui mergulhando numa melancolia tão ou mais forte que a do original. “Rachael Rae” transporta colorações da música árabe da Idade Média para a harpa, “Fish Feis” é “swingante” e “jazzy” à maneira de uma Savourna Stevenson, a gaita-de-foles balouça com languidez em “Probabobaly”, a “tentativa de composição de uma marcha, em estado de embriaguez, dos Ceolbeg, descrita pelo baterista do grupo como 'probabobaly the best tune in the world…'”. Um álbum para ouvir em rectao em locais como Sintra, nas margens de um lago subterrâneo, ou num castelo por cima das nuvens (Greentrax, distri. MC – Mundo da Canção, 8).
A harpa domina ainda “Play on Light”, quarto álbum, depois de “Delighted With Harps”, “Beating Harps” e “Harpbreakers”, das Sileas, um duo formado por dois expoentes deste instrumento, as escocesas Mary MacMaster e Patsy Seddon, também pertencentes às Poozies e aos Clan Alba. Muito mais que o disco de Wendy Stewart, “Play on Light” é em primeiro lugar um trabalho dedicado em exclusivo a um instrumento específico, a harpa, que agradará sobretudo aos apreciadores dos estilos e da sonoridade deste instrumento, mas ao qual um ouvido mais generalista não conseguirá ficar indiferente. A este impressionará, provavelmente, mais do que os pormenores técnicos e de expressão das duas executantes, a beleza das baladas vocalizadas, a solo ou em suaves harmonizações em dueto, por uma e por outra. Para entrar em bicos de pés e com os ouvidos, muito, muito limpos. (Greentrax, distri. MC – Mundo da Canção, 8).
Confessamos o nosso relativo desapego pela música dos galegos Na Lúa, cuja principal virtude terá sido, até agora, a de revelar a voz da nossa bem conhecida Uxia. Como acontece com inusitada frequência na Galiza, a música dos Na Lúa padeceu quase sempre de indefinição, hesitando entre uma prática fusionista e comercial ea entrega a uma leitura mais profunda do reportório tradicional galego. Na mesma altura em que pela primeira vez surge no nosso mercado o álbum de estreia do grupo, “Na Lúa”, marcado por alguma incipiência técnica mas onde são já visíveis as diversas e díspares vertentes que determinariam a posterior evolução do grupo, este novo “Os Tempos Son Chegados” vem revelar algumas qualidades pouco exploradas na sua obra anterior. Sem abandonar o gosto por outras músicas, aqui expreso, por exemplo, no cunho cubano imprimido ao título-tema, muito Sierra Maestra (Santiago de Compostela ligada por laços invisíveis a Santiago de Cuba?…), os Na Lúa, por força da insistência numa sonoridade híbrida, acabaram por criar com “Os Tempos Son Chegados” um objecto de extraordinária originalidade. Curiosamente, pelo desejo de afirmação de uma nação galega universal, ponto de confluência de tradições múltiplas, é impossível não pensar numa idêntica visão – embora com desenvolvimentos e implicações, não só musicais como também políticas, bem mais importantes – cultivada em toda a sua produção recente pelos Milladoiro. Mas atenção, que apesar de o seu mundo ter as fronteiras mais apertadas, os Na Lúa chegam a pousar num lugar tão longínquo quanto o seu nome deixa adivinhar. A Galiza de um tema como “De Andar Camino” tem as raízes no planeta Terra e os olhos postos na Lua. “Muineiras” negras (“Ribeirana”), e “cajun” (“Cantar de Canteiros”), um coreto a comandar passos de valsa com sabor a tango (“Liberación”), a Arábia coberta de verde (“aryel”), vinho com sabor a petróleo em condutas “hornpipe” (“A aventura dos pipelines”), o Minho mais belo do que nunca (“Coro das Maçadeiras”), a Galiza dos Na Lúa enlouqueceu. Os tempos parecem, de facto, chegados para os Na Lúa afirmarem a sua diferença. As fotografias do interior da capa são magníficas. Rendemo-nos! (Do Fol, distri. MC – Mundo da Canção, 8).
14.11.1997 Reeditari O Céu Pintado De Estrelas Talvez porque o Natal está à porta, o mercado português está a ser inundado por uma quantidade de colectâneas e redições das chamadas “estrelas”. É uma boa oportunidade para decorar a estante com caixas de êxitos que, na maior parte dos casos, já toda a gente conhece.
Do monte de colectâneas e reedições que chegam ao mercado nesta altura, a caixa mais importante é, sem dúvida, a dupla correspondente à reedição de “200 Motels”, de Frank Zappa, obra de fôlego composta pelo génio entre 1967 e 1971 para a banda-sonora do mesmo nome. O álbum faz parte de uma nova série de “OST” (“Original Soundtrack”, “soundtrack”, em português, “som de traque”), da Rykodisc, cujo primeiro pacote inclui ainda as bandas-sonoras de “Carrie”, “Chitty, Chitty, Bang, Bang”, “It's a Mad, Mad, Mad, Mad World” e “Octopussy” (da série James Bond), todas em “Deluxe Edition”, com apresentações impecáveis e uma reprodução dos “posters” de lançamento originais. Inexplicavelmente, estou a usar uma quantidade absurda de termos estrangeiros. Mas voltemos a Zappa. “200 Motels” não é o melhor álbum, longe disso, do homem dos bigodes. Mistura, em doses desiquilibradas, mas sem dúvida capazes de impressionar o desprevenido consumidor de pop no ingénuo ano da graça de 1971, sequências clássicas pela Royal Philharmonic Orchestra, apontamentos humorísticos e “rock 'n' roll (“roca e rola”, chega de estrangeirsmos) na veia (na veia?) dos Mothers of Invention (“Matas da Invenção”), como “Magic Fingers”, em duas versões. A reedição inclui ainda quatro “spots” (“potes”) publicitários originais feitos para a rádio e um livrete cheio de informação e fotos da fita. Sendo uma boa amostra da faceta mais erudita de Frank Vincent Zappa, “200 Motels”, não obstante, não se livra de cair ocasionalmente no aborrecimento, o que, sendo o seu autor quem era, não deixa de ser surpreendente. 200 motéis é muito motel. (Rykodisc, distri. MVM, 6)
Outro músico importante que já não petence ao mundo dos viivos é John Lennon, cuja memória volta a ressuscitar através de “Lennon Legend”, subintitulado “The Very Best of John Lennon”. É uma colectânea sem surpresas, que parte da apresentação de alguns dos temas mais famosos do ex-Beatle, como “Imagine”, “Mother”, “Jealous Guy”, sem esquecer a faceta mais politizada dos Plastic Ono Band, de “Instant Karma2 e “Power to the People”, o Lennon “rocker” de “Cold Turkey” e “Whatever gets you thru' the night”, eo baladeiro romântico, de “Woman”, e esquerdista, de “Working Class hero2, passando pelo “reggae” de “Borrowed time”. O álbum termina, adequadamente, numa nota natalícia, com os manifestos pacifistas “Happy Xmas (war is over)” de “Give peace a chance”. Lennon ficou para a História como o Beatle rebelde, em oposição à imagem de esteta que ficou colada a Paul McCartney. Chamem-me nomes, mas a realidade é que o primeiro nunca chegou aos calcanhares do segundo, em matéria de composição de boas, clássicas canções. Mas é claro que Lennon sempre representou com outra convicção os valores politicamente correctos da sua geração, mesmo que os seus melhores momentos como compositor revelassem, afinal, um incorrigível romântico, capaz de escrever coisas tão belas e tão simples como “Love”, uma das grandes canções desta “Lenda”, que conservou até hoje toda a sua frescura. Só por isso devemos dar algum desconto a Yoko Ono. (Parlophone, distri. EMI-VC, 7).
Avancemos para gente para quem a rebeldia é conceito totalmente desconhecido. Mike Oldfield, menino-prodígio dos anos 70 que encheu os bolsos ao patrão da Virgin à custa do megasucesso “Tubular Bells”, transformou-se nos últimos anos num dos gurus da “new age”, ultrapassada a fase criativa que caracteriza os primeiros álbuns, “Tubular Bells”, “Hergest Ridge”, “Ommadawn”, “Incantations” e “Five Miles Out”, regressando ainda no mais tardio “Amarok”, antes de se eclipsar nas traseiras da vulgaridade. Foi então que o multiinstrumentista se lembrou da fábula da galinha dos ovos de ouro, partindo para um “Tubular Bells 2” de má memória que, mesmo assim, lhe terá feito reembolsar mais alguns milhões. A má notícia é que, a julgar pelo último tema desta colectânea, há já um “Tubular Bells 3” no prelo. Mas “XXV – The Essential Mike Oldfield” (XXV porque o velho Mike já leva XXV anos de carreira…) dirige-se, em primeiro lugar, aos saudosistas, reunindo excertos das longas composições que ocupavam invariavelmente lados inteiros dos discos em vinilo, pertencentes aos quatro primeiros álbuns, atrás mencionados, seguidos de uma canção gira de “Crises”, “Moonlight Shadow”, vocalizada por Maggie Reilly, e do “single” “Portsmouth”. Depois vem o pior, dois temas de “Tubular Bells 2” juntos com nacos de “Songs of Distant Earth” de “Voyager”, típicos da fase “tecno prog” do músico. Informa-se ainda V. Excªs que Mike Oldfield era o extraordinário guitarrista que acompanhava Kevin Ayers, no não menos extraordinário grupo The Whole World. Mudam-se os tempos… (Warner Bros., distri. Warner Music, 5).
Podia perfeitamente ter pertencido ao grupo de cantoras que, ao longo dos anos, foram dando voz feminina à música de Mike Oldfield, como Maggie Reilly e Sally Oldfield. Só não aconteceu porque não calhou. Para Enya, o destino foi outro. Depois de abandonar os Clannad em 1982, para onde entrara já na fase descendente do grupo, Enya criou o seu estilo pessoal, tirando partido de uma voz incomparavelmente doce e de um tipo de produção dirigido ao mercado “new age” de influência “celta” (a “celtic ambient”, como já lhe chamam na “Folk Roots”…), o que lhe valeu a conquista do prémio de “melhor álbum” nesta categoria, em 1995, com “The Memory of Trees”, e de um “Grammy”, quatro anos antes, com “Sheperd Moons”. “Paint the Sky with Stars: The Best of Enya” passa em revista alguns dos melhores momentos da cantora, incluindo, a abrir, o altamente trauteável “Orinoco Flow” e “The Celts”, título-tema do álbum que melhor soube recriar as envolvências celtas que sempre a inspiraram. Os indefectíveis têma ainda ao seu dispor um par de inéditos, “Only if…” e “Paint the sky with stars”, um belo título, ao nível do cuidado extremo posto na embalagem, jogando nas cores e nas texturas de uma proposta musical e de um rosto que, goste-se ou não, possuem um incomparável poder de sedução. (Warner Bros. distri. Warner Music, 6)
Mai mult de o doamnă, de facut. Esta mais recente e cultivadora de outro tipo de imagem. Falamos de Sheryl Crow, que em “Special Edition” (o álbum editado recentemente, “Sheryl Crow”, acrescentado de um segundo CD com actuações ao vivo) confirma estar alguns furos acima da chusma de candidatas a estrelas que todos os dias vão aparecendo com o fito de tentar chegar aos “tops”. Feita a aposta numa produção seca e numa criteriosa selecção de canções, tudo se conjuga para fazer brilhar ao máximo a voz de Sheryl, que aqui se revela capaz, tanto de recriar o neo-country, em “Redemption Day”, como de fazer a evocação de John Lennon, em “Ordinary Morning”, ou de se afirmar como veículo de uma “rocker” de cabelos ao vento. Para os registos, fica uma canção absolutamente a guardar no cofre das excepções, a belíssima e interiorizada “The Book”, virando as mesmas folhas de Suzanne Vega, ea ideia de que um corte no alinhamento poderia valorizar ainda mais um álbum onde o sentido comercial não dispensa um elevado nível de exigência. (A&M, dustri. Polygram, 6).
31.10.1997 World Prendas de Natal “Celtic Twilight”, “Celtic Lullaby”, “Celtic Odissey”, “Celtic Legacy”, “Celtic Heartbeat”, “Celtic Potatoes”, “Celtic Shit”. Socorro, tirem-me daqui! Desamparem-me a loja. Se isto é música céltica, eu sou australiano. Mas era de prever. As pessoas precisam de lenitivos, de sonhos, de coisas bonitas, como diria Artur Jorge. “Celtic” tornou-se sinónimo de conforto por medida.
Agarre-se num postal ilustrado, de preferência com um lago e muita verdura (um castelo também calha bem), numa harpa e numa menina de olhos verdes e cabeleira loura e pronto, está composto um cenário “celta”. As pessoas adoram. O pior é que a música tradicional de raiz céltica, que de facto existe e que, apesar de tudo, goza de boa saúde, tem pouco ou nada a ver com estas séries “celtic” que vão aparecendo um pouco por todo o lado. É a velha operaçãod e liofilização do produto, tão do agrado da indústria, quando se trata de controlar e desvirtuar determinada música situada fora dos parâmetros “mainstream”. Por regra, as produções são asépticas, com as tais capas postal-ilustrado ea música produzida por gente, alguma dela com responsabilidades, cuja preocupação principal é ganhar dinheiro. Deitemos, de qualquer modo, um olho ao pacote mais recente.
A série “Celtic Heartbeat”, com distribuição MCA, acaba de lançar o que, para muitos, será a prenda de natal ideal. “The Roots of Riverdance”, de Bill Whelan, sucede ao multipremiado espectáculo “Riverdance”, capitalizando em obras anteriores deste especialista na composição de “suites” orquestrais que, regra geral, contam com grandes músicos da tradição irlandesa. Estão neste caso “The Sevilla Suite” e “The Spirit of Mayo”, onde marcam presença, entre outros, Eileen Ivers, Dónal Lunny, Nollaig Casey, Mairtin O'Connor e Tommy Hayes, a par de excertos de “EastWind”, de Andy Irvine e Davy Spillane, e de “Riverdance”. Tudo o que foi possível arranjar com a participação de Bill Whelan. Mesmo assim é, de longe, o melhor disco do lote. (7)
Declan Masterson é, em termos rigorosamente técnicos, um bom executante de “uillean pipes”. Infelizmente o bom-gosto não impera na composição e nos arranjos de “Drifting Through the Hazel Woods”, um pastelão de programações do piorio. Comparado com o nível médio dos discos de ouro “piper” de gostos semelhantes, Davy Spillane, é bastante pior. (3)
“Omnis”, do colectivo vocal Anúna, consegue ser boa música de fundo. O álbum de estreia do grupo era bom. O mercado encarregou-se de tornar inócuas estas harmonias que parecem descer dos céus mas que na verdade não passam de um rigoroso trabalho de cosmética laboratorial. (5)
Outra obra de fôlego é “The Children of Lir”, de Patrick Cassidy. Neste caso, a “folk” desaparece para dar lugar a uma composição sinfónica, com ocasionais intromissões profanas de sabor “rock”, no qual participa uma das mais notáveis formações de música antiga da actualidade, os Tallis Choir. Ouve-se com outros ouvidos, embora a faceta ecorativa não tenha sido totalmente leiminada. (6)
Thomas Loefke é um alemão apaixonado pelas tradições irlandesas e pelo imaginário celta mais delicodoce. Para romper os véus de Tir Nan Aog, nada melhor do que fazer passar os dedos por uma harpa céltica. Se assim pensou, melhor o fez. “Nordland Wind” é uma versão plastificada que junta o pior Alan Stivel à frivolidade de um William Jackson, amparado em vocalizações de duas senhoras que, entre imitarem as inglesas June Tabor e Sandy Denny, revelam uma total incapacidade para compreender os segredos do genuíno canto irlandês no feminino. (5)
Frances Black tem boa voz, mas não a confundam com uma cantora “folk”. “Talk to me” agradará aos apreciadores de canções de variedades, ponto final. (3)
E já que se falou em prendas de natal, era natural que na Celtic Heartbeat se lançasse, com a devida antecipação, um objecto destinado a esse fim. Então aí temos “A Celtic Heartbeat Christmas”, cuja embalagem explica melhor do que mil palavras o conceito subjacente: um violino misturado com enfeites de Natal. A escolha dos celebrantes, em excertos de discos já editados antes, enfia os Altan ao lado dos “maus” Clannad, os “vendidos” Nightnoise (com senhores e uma senhora que já pertenceram aos Botty Band…), Thoms Loefke, Anúna, Declan Masterson, Brian Dunning (um ex-Gryphon, vejam lá…) e Cormac Breatnach, entre outros. Feliz Natal para eles e para todos nós. (5)
Também com a etiqueta “celtic” apareceu outra colectânea, desta feita com canções de embalar, “The Celtic Lullaby”, num selo do qual não se esperaria, tão cedo, cedências deste tipo, a Ellipsis Arts…, e com um anjinho na capa. Como, por regra, se trata de um género lento, funciona às mil maravilhas. Colaboram alguns nomes interessantes, alguns deles com pergaminhos: Tommy Sands, Plethyn, Jean Redpath, Mac-Talla e Alison Kinnaird. O melhor elogio que se pode fazer é que cumpre na perfeição o objectivo de pôr, mesmo o adulto mais “stressado”, a dormir. Como um anjinho, claro. (Ellipsis Arts…, distri. Megamúsica, 5).
Reservamos para o final uma surpresa agradável, o mais recente de Loreena McKennitt, “The Book of Secrets”. Embora insistindo na mesma tónica de sempre, uma abordagem leve da música antiga e da “folk” do ciclo Arturiano, com ramificações nas músicas do Oriente, na efabulação de um panceltismo planetário, o álbum oferece não poucos motivos de deleite, indo mais fundo do que os anteriores. Tmas longos, construídos sobre o equilíbrio de programações electrónicas mais discretas do que o habitual e uma vasta e sofisticada gama de sonoridades acústicas. “The Book of Secrets” regista dois excelentes momentos: “The Mummer's Dance”, enobrecido pelo “swing” medieval do convidado Nigel Eaton, na sanfona, e os dez minutos de “The Highwayman”, onde a diversidade de registos e entoações vocais, verdadeiramente encantatórias, de Loreena McKennitt se consegue equiparar aos melhores momentos de Maddy Prior com os Carnival Band (Quinlan Road, distri. Warner Music, 6).
Passar 40 minutos a gemer em agonia num disco não é proeza ao alcance de qualquer um. Elizabeth Anja Vangajic não só o consegue como deixa quem o ouve de rastos. É mais uma artista da Constellation e está tudo dito. A coisa passa-se assim: Elizabeth esvai-se em cada canção enquanto por detrás se fazem ouvir omnipresentes “drones” de violinos sepulcrais, mais pianos gélidos, guitarras sem alma, lascas de mármore e ruídos de electrónica de tempestade, como em “Around here”. Existe um som Constellation, sem dúvida, e para acentuar tal facto nem faltam neste disco as colaborações de elementos dos gybe! E dos A Silver Mt. Zion. Significa que o já tradicional movimento “vai acima, vai abaixo”, leia-se subidas e descidas musico-emocionais, entre clímaxes de “noise” orquestral ea depuração máxima, funciona em pleno. A capa também não engana, com as suas estátuas, portos desertos à chuva e templos em ruínas, em tons de pastel escuro. Estranhamente, o tema de abertura, quase podia fazer lembrar os Radiohead à hora da morte. É que Anka não perdoa, ao cantar palavras versos lapidares como “I Saw your face when you killed yourself/Smashed your face and you killed yourself”. Está visto que o Verão acabou.
24.10.1997 World Águas Em Fúria Cabalismos klezmer possuídos pela ira contra os deuses, ritmos do Nilo, cantos e danças do Piemonte italiano e, da Suécia, ainda um projecto com o envolvimento de Ale Möller e Lena Willemark, entre a tradição ea improvisação. Quadrantes de um mesmo mundo que a cada instante se redescobre e reinventa através da música. “Drummers of the Nile” é uma viagem musical através do rio Nilo, das suas tradições e dos seus mistérios. Navega-se por ele a bordo das percussões mas também das vozes, com as contribuições de um acordeão e de um trompete, quando a nau lança a âncora nas vielas e nos bares mal afamados do Cairo. Entre o mar eo deserto, os tambores do maestro Mahmoud Fadl transportam-nos ao longo das diversas tradições conotadas com este rio desde sempre envolvido numa aura de mistério e cujos fluxos e refluxos das águas permaneceram durante séculos por explicar. Música clássica do Egipto, ritmos dos beduínos, cantos e cadências das mulheres, imitações de camelos, danças tradicionais a acompanhar cerimónias de casamento, variantes específicas e diversos ritmos, nubianos ou do Sudão (como o “dishka”, dança de protesto das prostitutas contra a proibição da sua actividade, decretada no Sudão, que alguns consideram ser o “avô do reggae”) são alguns dos pontos por onde passam as percussões e as vozes destes “Drummers of the Nile”. “A night on Mohammed Ali street” retrata, por seu lado, as condições de pobreza e sofrimento que enfermam as ruas de um dos bairros mais miseráveis da cidade do Cairo. É isso: a complexidade de alguns dos temas, em contraste com a extrema simplicidade de outros, num registo de pura etnicidade, são o corpo musical de uma entidade viva e pujante, o Nilo, reflectindo as suas paisagens eo modo de sentir das suas gentes. (Piranha, distri. Megamúsica, 8).
Não muito longe, um bando de judeus endemoninhados desafia o Criador e as tábuas da Lei. “Porque é que o Todo Poderoso passou os primeiros cinco livros da sua Bíblia a escrever sobrte questões confusas e de moralidade problemática?” é a pergunta colocada por Tony Kushner na longa apresentação que fez de “Possessed”, acrescentando logo de seguida que “é preciso lutar contra o Todo Poderoso”. Tony Kushner é o autor de uma adaptação para teatro, “A Dybbuk Between Two Worlds”, da obra clássica de S. An-ski, “The Dybbuk” que, a par de um enredo de amor e possessão, constitui um autêntico manual de folclore “yiddish”, para a qual os Klezmatics compuseram a banda sonora, compreendida nos temas 9 a 17 do disco. Quem já conhece esta banda pela audição do alucinante exercício sobre música klezmer contido em “Rhythms + Jews” encontrará aqui o mesmo espírito iconoclasta, embora envolto num esquema, dado o carácter específico deste disco, necessariamente mais rígido. O “jazz” eo teatro encontram-se com a folk, o “ska”, as “novas músicas” e baladas de recorte cristalino, como “Mizmor shir lehanef”, animados pelo mesmo espírito que ajudou a criar a identidade (e pluralidade, por vezes convulsiva) da nação judaica contemporânea, de Mahler a Schoenberg, passando por Marx e Freud. São estes fantasmas que os Klezmatics exorcizam com a fúria e convicção dos eleitos, desafiando, eles próprios, as regras da Torah (a Lei divina). (Piranha, distri. Megamúsica,
Seguindo a direito pelo Mediterrâneo encontramos os nossos velhos amigos celtas do Piemonte, no Norte de Itália, em plena corte dos La Ciapa Rusa, reis incontestados da música desta região. Como acontece com “Drummers of the Nile”, em relação ao Nilo, cujo caudal sofre cheias periódicas, também o álbum “Omi e Paiz”, dos Tre Martelli, está marcado pela fúria das águas, neste caso pelas cheias que assolaram a zona de Alessandria em Novembro de 1994 e, inclusive, puseram em risco a própria existência do grupo. O reportório é constituído pelos “brandos”, “alessandrine” e “monferrine” da praxe, alternando com baladas vocalizadas de extrema sensualidade, características do estilo do Piemonte, onde brilham as vozes de Simone Boglia e Andrea Sibilio, num registo de menor sofisticação comparado aos “internacionais” Ciapa Rusa e Barabàn. (Robi Droli, distri. MC – Mundo da Canção, 8).
De súbito, uma rajada gelada tolhe-nos os membros, fazendo-nos tremer. Por momentos o frio faz-nos perder o sentido de orientação. É meia-noite mas o sol brilha sobre o horizonte. É claro, saltámos muito para Norte e viemos cair na Suécia. Porém, a música que nos chega através de “Enteli”, consegue fazer-nos esquecer o frio. Reconhecemos, no colectivo designado por Enteli, a presença, uma vez mais, de Ale Möller e Lena Willemark, numa música que toma as baladas medievais ou as tradições xamânicas das danças “sufi” como inspiração para um exercício de liberdade que está mais próximo do “jazz” e do requinte de um Jan Garbarek que da música tradicional, recuperando todo o virtuosismo mas também as tendências heréticas da escola escandinava, marcadas tanto pelo furor instrumental como por um sentido apurado da poesia e de um ambientalismo “sui generis”, fruto da eterna promiscuidade entre o sol ea lua. (Phono Suecia, distri. MC – Mundo da Canção, 8).
