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José Duarte, Frank Sinatra – “Acordar Para A Realidade” (entrevista a José Duarte sobre Frank Sinatra)

Pop Rock >> Quarta-Feira, 03.06.1992

ACORDAR PARA A REALIDADE

Em Frank Sinatra, encontrou José Duarte um professor. De inglês e da arte de ser o lobo e o capuchinho vermelho. Até de jazz. Considera-o “o maior cantor deste século”, “um tipo cheio de ‘charme’” e “Stranger in the night” uma canção fraca. No Estádio da Antas, o autor de Outras Músicas vai estar à frente, na zona do “caviar e dos morangos”. Para Sinatra o ver bem.



“Há duas maneiras de ouvir a música de Frank Sinatra” – diz José Duarte -, uma “popular”, outra mais “requintada”, só ao alcance dos “gajos da música”. O autor de Cinco Minutos de Jazz e do actual e aclamado Outras Músicas falou ao PÚBLICO das duas e provou “cientificamente” que Sinatra é “um cantor fabuloso”.
PÚBLICO – Quando e em que condições conheceu a música de Frank Sinatra?
JOSÉ DUARTE – Tinha para aí 15 anos, através de discos.
P. – Que opinião tinha dele nessa altura?
R. – Tenho um padrão para me orientar nesta confusão toda que é o jazz.
P. – Aos 15 anos já tinha esse padrão?
R. – Não, mas estava quase a ter. Vejo tudo em função do jazz. O Sinatra (por acaso descobri-o primeiro que ao jazz, mas foi um trampolim para chegar lá) ensinou-me o inglês. Um inglês que não era o do liceu nem o americano. Ele tem uma dicção fabulosa. É dos raros cantores em que se percebe cada palavra e cada sílaba. Depois conta histórias. E a maneira de ele as recitar… Nunca canta uma canção da mesma maneira, modifica-a, aproximando-se de um conceito de jazz, seguindo as pisadas de dois dos seus influenciadores: Tommy Dorsey, de quem reteve o som “cool”, liso, e Bing Crosby, pai de todos. Sem esquecer a fraseologia de Billie Holliday.
Aos 15 anos conhecia-o sobretudo dos filmes. Depois fui avançando e verifiquei cientificamente que é um cantor fabuloso.
P. – Pelo que um jornalista do “New York Times” afirmou recentemente, parece que hoje em dia Sinatra mal consegue alinhar dois versos seguidos e não sair do tom.
R. – Esse jornalista é capaz de não se da Mafia…
P. – Sinatra vai encher o Estádio das Antas?
R. – De certeza absoluta que não vai esgotar e ainda bem. Se esgotasse, eu começava a repensar Sinatra. É capaz de ir mais gente por causa das críticas, por ser uma figura polémica.
P. – As pessoas vão ver apenas o mito?
R. – Portugal levou uma vida inteira a juntar dinheiro para o ouvir cantar. Disso e não tenho culpa. Fui ver Sinatra a Nova Iorque, em 1975. E mesmo assim já era tarde. Um concerto em que teve como parceiros a orquestra de Count Basie e Ella Fitzgerald. Em pleno PREC, comigo em grandes dúvidas ideológicas. O José Mário Branco berrava-me aos ouvidos: “O Sinatra não pode cantar bem. Um americano não pode cantar bem. “Eu próprio comecei a ter algumas dúvidas”.
P. – Como definiria o cantor?
R. – A carreira de Sinatra é sinusoidal, de “ups and downs”. Há quatro grandes fases que, por acaso, coincidem com as quatro grandes marcas para onde gravou. A RCA, onde grava com Tommy Dorsey, correspondente aos anos 40 – ele estreou-se com o Harry James no fim dos anos 30 -, em que atinge o primeiro pique quando é ainda um cantor jovem, com 20, 30 anos; depois há a fase Columbia, em que amadurece, se torna adolescente (a divisão pode ser feita em termos etários), um tipo cheio de “charme”. Depois passa para a Capital e torna-se adulto. É a fase dourada, com a ajuda dos arranjadores de que se rodeou, com destaque para Nelson Riddle. Finalmente, a fase da Reprise, da idade madura, a mais próxima do jazz. A partir daí é um gajo que se defende graças ao historial e a um grande magnetismo pessoal.
Durante todo o tempo safou-se sempre bem. Por razões diversas, nem todas relacionadas com o canto. No canto tem envelhecido, mas não no sentido ocidental da velhice. Digamos que agora canta de maneira diferente. Saiu de uma fase por política, de outra por causa do cinema (e ganhou um Óscar), de outra ainda porque se aliou aos mais fortes…
P. – Quem são os mais fortes?
R. – Nessa altura não interessava. Ele esteve ao lado dos republicanos e dos democratas. Depois houve os escândalos, dizia-se que era íntimo da Mafia.
P. – Que explicação encontra para a longevidade de Frank Sinatra?
R. – É o maior cantor deste século, na sua área. Um mestre. Qualquer canção, no sentido mais lato de “song”, que tenha sido cantada por Sinatra fica marcada. Fazia com as canções uma coisa fabulosa: metia palavras novas, repetia, truncava, tirava, subvertia-lhes o sentido. Uma riqueza que só “ouvisto”.
P. – A Mafia teve alguma influência no sucesso de Sinatra?
R. – Olhe, outra das coisas que o Sinatra me ensinou foi saber ser igualmente o capuchinho vermelho e o lobo. Depois há o conceito de clã, que para mim tem muito significado: o grupo de amigos, a união, a entreajuda. Partilhar as mesmas verdades e os mesmos conceitos.
P. – Diz constantemente que o Sinatra “o ensinou”. Alguma vez falou com ele?
R. – Nunca falei com ele. E mesmo que falasse não o ficaria a conhecer.
P. – Quer contar alguma história sobre Sinatra?
R. – Há uma muito bonita. O Sinatra tem por hábito fazer digressões com fins beneméritos. Pega no avião, põe o piano e os músicos a bordo e lá vai, normalmente a Itália. Os pais eram da Sicília e convém referir que costuma chamar “Giaccomo Danielli” à sua bebida preferida [“whisky” Jack Daniels]. Nos anos 70, meteu-se no avião e foi até Itália dar um espectáculo de ajuda às crianças cegas. E deu tudo. Noutro spectáculo – esta história impressiona-me – recebeu algumas crianças no camarim, falou com elas, uma grande bagunça à italiana, e houve uma que perguntou: “Sinatra, de que cor é o vento?”, que é uma pergunta do caraças.
Noutra ocasião, no primeiro concerto de Sammy Davis Jr. Em Nova Iorque, que foi um êxito, estava uma data de gente a pedir autógrafos e Sammy não sabia escrever. Chegou ao pé de Sinatra e perguntou-lhe: “Agora o que é que eu faço?” A resposta foi: “Faz um rascunho.”
P. – Vai ao Porto assistir ao concerto?
R. – Claro. Vou para o hotel dele e tudo. E no estádio, para a zona do caviar e dos morangos, a que fica mais próxima do palco. É para ele me ver. (Risos). Fiz uma série de 30 programas sobre o Sinatra para a Rádio Comercial, na promoção do concerto, e não me pagaram nada. Então disse-lhes: “Quero ter um lugar onde ele me veja bem. Olha o José Duarte ali, e tal…”
P. – Não põe sequer a hipótese de não gostar?
R. – Pode desiludir, mas não sou suposto depois confessá-lo.
P. – Pode criticar-se, à partida, o facto de o concerto se realizar num estádio.
R. – É a mania das grandezas. Penso que a organização não está à espera de encher o estádio. Não vai ser nada parecido com os Dire Straits ou os Guns’n Roses.
P. – Os mais novos são sensíveis à música de Sinatra?
R. – Dizem-me que há raparigas novas e bonitas a quem o Sinatra repugna, o que é positivo, porque repugnar é uma maneira de agradar.
P. – Será que a música de Sinatra lhes interessa de facto, ou irão ao estádio por outras razões?
R. – Isso é a filosofia recente dos anos 80. Num concerto do Sinatra não há fumo no palco, nem “lasers”. É um foco em cima dele e a banda a tocar.
P. – É o passado, o mito?
R. – Sim, mas também a música.
P. – Se calhar, para um número restrito de pessoas…
R. – Se calhar sim, só uns 20 ou 30 eleitos. Mas repare que em Londres, capital de um país com profundas raízes musicais, cinco salas encheram-se com sete mil espectadores para o ouvirem, pessoas que não brincam com a música.
P. – Em Portugal é diferente…
R. – Portugal é completamente diferente. A um concerto de estádio vai-se pela confraternização, pelo espectáculo. Hoje o conceito de música é extramusical. O que interessa é estar com os amigos, numa grande excitação, gozar à brava em conjunto, com a drenalina toda a sair. O concerto de Maddona em Barcelona é neste aspecto memorável. Aquilo demonstra uma preparação física do caraças… Sinatra é o oposto. Os arranjos musicais são os mesmos dos anos 50 e ele canta exactamente com as mesmas acentuações. Considera-se o último dos “saloon singers”, em que o importante é a intimidade.
P. – Precisamente. Essa intimidade é impossível num estádio.
R. – Aí é o anti-“saloon singer”. Mas o que ele gosta é de segredar coisas às pessoas, confessar-se, meio grosso, às três da manhã. Estar com o “barman” a cantar um solilóquio, uma balada, e depois bater com a porta e ir-se embora como num daqueles “westerns”, mas sem mulher. Sozinho. Para sofrer.

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Wim Wenders – “Banda Sonora Antecipa Novo Filme De Wim Wenders – Enquanto O Fim Do Mundo Não Chega”

Secção Cultura Sexta-Feira, 13.12.1991


Banda Sonora Antecipa Novo Filme De Wim Wenders
Enquanto O Fim Do Mundo Não Chega


Em “Until the End of the World”, o realizador alemão rodeou-se de nomes sonantes da música actual, entre eles os Talking Heads, R.E.M., Nick Cave, Lou Reed, U2, Elvis Costello e Depeche Mode. Sob a aparência sombria, as canções – como o cinema de Wenders – perseguem a luz.



Conhece-se, viajando. Mas conhece-se apenas enquanto esse movimento de deslocação corresponder a uma dupla transformação: do sujeito que evolui e, como consequência, do território percorrido, já que a visão da realidade está condicionada pelo “lugar de onde se olha”. Uma questão de perspectiva. O cinema de Wenders dá a ver as várias fases de um percurso, o que está “antes da curva da estrada”. Viagem iniciática, de procura e descoberta em espiral.
Cineasta da viagem, Wim Wenders, analisa-a nos seus múltiplos registos. “Alice nas Cidades”, “Ao Correr do Tempo” (obra-prima sobre os infinitos da comunicação, da permuta de sentidos, do silêncio para-gramatical que nos habita e, no limiar do território, nos transcende), “Paris, Texas” (demanda do amor e da linguagem, de certa forma inversa à de “Ao Correr do Tempo”) “Luz sobre a Água” (viagem terminal até ao derradeiro limite – ritual de transformação / decomposição do corpo e do cinema, e da redenção pela voz dos personagens que à deriva sobre as águas, dissertam sobre o que é, ou foi, a vida e o cinema, tema recorrente em “O Estado das Coisas”) e o novo “Until the End of the World” perseguem a transfiguração, a luz (da luz e dos jogos de iluminação nos fala ainda Wenders em “As Asas do Desejo”), o real nas suas duas vertentes: a das imagens cinematográficas e aquela que julgamos mais consistente, do “mundo material”. Em qualquer dos casos, projecções.

A Lei Do Movimento

Para compreender o que o termo “road movie” significa na economia do autor, é preciso compreender primeiro o preceito Zen (caro ao cineasta), segundo o qual o sujeito que observa e a realidade “observável” constituem uma realidade única, decorrendo a pseudo separação da subjectividade da razão analítica.
Pode definir-se o cinema de Wim Wenders em termos de geografia: humana, planetária e metafísica. Mesmo quando o movimento, circular, anti-iniciático e luciferino (como entende Abellio), não leva a lado nenhum – “Movimento em Falso”, presente apenas no alinhamento temporal das palavras, da fala destituída de sentido (isto é de direcção) por forma a permitir a ilusão. O “realismo” confunde-se aqui com o não-movimento existencial de “Para Além do Paraíso”, de Jim Jarmusch). David Byrne define na perfeição esse lugar de morte: “O paraíso é um lugar onde nunca acontece nada.”
“Until the End of the World” almeja a totalidade, a visão global do planeta. Viagem culminante, de síntese apocalíptica que, a partir da Europa e seu lastro cultural, acaba por fixar-se e centrar-se nessa terra de ninguém que é o continente australiano, lugar paralelo, alternativo, de início, que se presume ser o único capaz de sobreviver à catástrofe nuclear.

Canções De Luz E Desespero

A banda sonora chegou até nós primeiro do que as imagens. É-nos concedido algum tempo de prazer antes do “juízo final”. Muito do sortilégio que anima o cinema de Wim Wenders vive do contraponto sonoro. “Until the end of the world” não foge à regra. O realizador escolheu a dedo os músicos e estes corresponderam de forma exemplar, dando às respectivas composições a toada sombria, derradeira, que o ambiente das imagens sugere. Não por acaso, o papel de “pivot” do projecto foi entregue a Graeme Revell, compositor e teórico australiano, fundador dos SPK, dado a obscuras manipulações sonoras, entre o classicismo gótico, a música industrial e as experimentações electrónicas com computadores.
“Opening Titles”, “Claire’s Theme”, “Love Theme” e “Finale” são peças instrumentais de recorte clássico, parasitadas por sons samplados e acrescidas do violoncelo solo de David Darling, escolhidas para enquadrar as canções propriamente ditas, à excepção da dos U2, compostas de propósito para a banda sonora. O CD não integra os temas de Peter Gabriel e Robbie Robertson que constam do duplo álbum.
“Sax and Violins”, dos Talking Heads, introduz o registo “down” que prevalece ao longo do disco, dando a ouvir um David Byrne menos frenético mas mais desolado do que é costume. Julee Cruise traz consigo resíduos das trevas fluorescentes de David Lynch e Angelo Badalamenti, no pesadelo cor-de-rosa “Summer Kisses, Winter Tears”, de Elvis Presley. De base rítmica hipnótica, os temas dos Can (que já haviam colaborado em “Alice nas Cidades”) e, em versão “dub”, de Neneh Cherry, adensam o mistério. Não soam menos fantasmagóricos o minimalismo poético de Patti e Fred Smith, a “country” etérea de Jane Siberry com K. D. Laing e de Daniel Lanois, e os “blues” espectrais de T-Bone Burnett. Os Crime & The City Solution e Nick Cave, amigos de Berlim, transitam das “Asas do Desejo” com a mesma força e negritude. Cave cada vez mais empenhado em tornar-se uma espécie de Leonard Cohen cavernoso. Lou Reed sinuoso como sempre sobre uma guitarra saturada de electricidade, Elvis Costello com uma versão de “Days”, dos Kinks, os Depeche Mode e os R.E.M. apresentam canções tristes de acordo com o tom de desespero do enredo.
É preciso esperar até ao título-tema dos U2, extraído de “Achtung Baby” e editado em versão especial para a banda sonora, para que o fogo se reacenda. Enquanto o fim não chega.

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O Senhor Dos Anéis (“O Regresso Do Rei”) – “Ninguém Escapa Ao Poder De ‘O Meu Precioso’”

(público >> cultura >> cinema)
terça-feira, 16 Dezembro 2003


Ninguém escapa ao poder de “o meu precioso”

“O Regresso do Rei”, terceira e última parte da trilogia “O Senhor dos Anéis”, estreia-se hoje numa maratona de 12 horas, em conjunto com os dois capítulos anteriores. Frodo e Sam salvam o mundo das garras de Sauron e Aragorn é coroado rei dos homens. Antes de ser destruído, o anel brilha num festival de efeitos especiais. “My precious!”


Começa hoje o fim da jornada de Frodo e Sam para salvar a Terra Média. O “Anel Um” é destruído, o rei dos homens sobe ao trono, o amor triunfa sobre o mal e os efeitos especiais do filme arrasam tudo o resto, transformando a batalha final, em Gondor, contra as forças de Sauron, num festim para os sentidos. “O Regresso do Rei”, terceira e última parte da trilogia de Peter Jackson inspirada na obra-prima “O Senhor dos Anéis”, de J.R.R. Tolkien, estreia-se hoje, à meia-noite, em duas salas do complexo de cinemas Alvaláxia, a culminar uma maratona de 12 horas que terá início às 14h, com a projeção da primeira parte, “A Irmandade do Anel”, na versão alargada, à qual se seguirá a continuação da saga, “As Duas Torres”, também na versão extensa. Entre cada filme haverá um intervalo de 45 minutos.
Porém e para grande infelicidade dos fãs que não conseguiram comprar bilhete (12 euros, para a maratona completa), esta sessão especial está já esgotada nas duas salas, depois de, nos últimos dez dias, as “extended versions” de “A Irmandade do Anel” e “As Duas Torres” terem sido exibidas no Alvaláxia.
Alda Ribeiro, 20 anos, estudantes, teve que se resignar. Comprou bilhete para uma das sessões normais de amanhã. Viu os dois primeiros filmes no dia de estreia, “tal a ansiedade”, e confessa ter ficado “bastante surpreendida porque a tendência normal é o filme ficar sempre bastante aquém do livro”. Gostou de “ver o modo como as personagens” que idealizara “foram concretizadas no filme”. A sua preferida é Logolas, o elfo: “É lindo, ainda mais bonito do que eu imaginava.”

O rosto dos heróis
“O Regresso do Rei” não fica atrás de “A Irmandade do Anel” e “As Duas Torres” em espectacularidade. Para quem não leu o livro, é um deslumbramento. A investida dos gigantescos olifantes na batalha de Minas Tirith, capital do reino de Gondor, a luta corpo-a-corpo de Sam contra a aranha Shelob ou o desabamento da cidadela de Sauron são cenas de cortar a respiração. Mas alguns admiradores incondicionais do romance de Tolkien condenam algumas “traições” à verdade do texto original. É o caso de Pedro Silva, 18 anos, estudante, que leu os livros e viu os filmes, preferindo, “de longe”, os primeiros: “O livro é muito melhor. Nos filmes, por causa do ‘marketing’, tenderam a romantizar muito a coisa.”
Opinião idêntica tem Tiago Granja, 25 anos, neste momento a “fazer investigação na Faculdade de Farmácia”, também ele conformado por não assistir à maratona, até por não ter visto as versões “director’s cut”, as longas, dos dois primeiros capítulos. Mas tenciona ir ver “O Regresso do Rei”, “o mais rapidamente possível”. Urgência explicada pelo gosto em “comentar com outras pessoas que vão ver mais tarde”. Tiago leu o livro, daí considerar “As Duas Torres” “um bocado deslocado”: “Tem partes que no livro não acontecem. Está romanceado. Há personagens que não se conhecem nos livros que aqui se conhecem logo desde o início do filme.” Elege Gandalf como personagem favorita.
Críticas ou adesão sem reservas são afinal consequência do enorme fascínio que o filme exerce sobre todos. Tenham ou não lido o livro. Os primeiros entram na aventura, passam para outro mundo, deixam-se encantar pela desmesura dos cenários, pelo desenrolar da história ou, simplesmente, pelo aparato visual. Os segundos comparam, apontando a ausência de pormenores ou mesmo de segmentos inteiros da narrativa, até nas versões alargadas, como a de Tom Bombadil (no primeiro filme), considerado imprescindível pelos tolkenianos da linha dura. Mas mesmo esses reconhecem que o desenho dos ambientes, dos lugares e das personagens faz jus às criações do escritor. Depois de vermos o filme nunca mais voltaremos a ler o livro (sim os verdadeiros fanáticos não se contentam em lê-lo apenas uma vez…) com os mesmos olhos.
Gandalf, Frodo, Sam, Merry e Pippin, Gimli, Legolas, Aragorn, Saruman e Gollum, protagonistas de um vasto painel de personagens que fazem de “O Senhor dos Anéis” um universo, física e psicologicamente completo e complexo, passaram a ter um rosto. Homens, elfos e anões, representantes de uma humanidade impregnada de ideais, em luta contra o seu contrapeso bestial, duendes, gnomos e “trolls”, caricaturas grotescas arrancadas às profundezas da Terra, entes telúricos desvirtuados e sujeitos a terríficas manipulações pelos senhores do mal, adquiriram igualmente forma cinematográfica convincente. E Gollum, assombrosa personificação da tragédia condição humana, exemplo da linha ténue que separa o homem da besta, cuja metamorfose é determinada pela dependência do anel, o seu “precious”, como é mostrado na cena inicial de “O Regresso do Rei”.
Outras criaturas, boas, más ou fora de qualquer moral, como o Balrog, o monstro do lago, os “ents”, Shelob, os dragões montados pelos Nazgul, antigos reis, também eles subjugados pelo poder do “Anel Um” e tornados nos mais temíveis servidores de Sauron, os descomunais olifantes, mesmo os minúsculos insectos-fada, mensageiros de Gandalf, adquirem uma consistência física que parece estar desde o início latente na trama construída por Tolkien. Só Sauron continua representado pelo olho de fogo que tudo vê, símbolo do poder e da vontade da mente luciferina.

Gigantes
Excluindo todos os defeitos que se lhe possam apontar, a trilogia de Peter Jackson compreendeu um dos aspectos essenciais da obra de Tolkien: que o que separa o nosso mundo, pretensamente real, do mundo por ele idealizado, pretensamente imaginário, é uma diferença de escalas. Em “O Senhor dos Anéis” o mundo e os seres que o habitam são maiores (descontando, obviamente, os hobbits, e mesmo esses, no final do livro, regressam ao Shire fisicamente alterados, mais altos do que do início da aventura, e não apenas em virtude da beberagem mágica oferecida pelos “ents”…). As águias, os olifantes (aberração gigantesca dos elefantes), as árvores que sustentam a cidade élfica de Lothlorien, os palácios, fortificações e estátuas de homens e anões, têm dimensões gigantescas. A dimensão dos mitos. Mas mais importante do que essa arquitetura erguida à escala dos gigantes (presente, de resto, nos nossos mitos históricos) é a grandeza dos sentimentos. O heroísmo. Frodo, Sam, Gandalf, Aragorn, Gimli, Arwen, Legolas, Elrond, Theoden ou Faramir personificam o sacrifício por uma causa, a amizade, a generosidade, a coragem, a sabedoria. Ao nível do ideal mais puro: o amor.
É isso que em “O Senhor dos Anéis”, o livro, toca mais fundo em quem o lê e em que, Jackson, no filme, toca apenas ao de leve. Mesmo assim com intensidade suficiente para nos fazer ter vontade (e força, e coragem, e pureza e…) de viajar do Shire do nosso conformismo até ao Monte da Condenação, para aí renunciarmos ao poder e ao orgulho que foram causas da Queda. E voltar a casa, na curva acima do destino. A narrativa de “O Senhor dos Anéis” (o livro continua por mais umas eras…) termina com um suspiro de Sam, infinito e pueril como um “Aleph” – onde a eternidade e o instante são o mesmo e um só. Foi pena – no meio de tantos e grandes feitos – que Peter Jackson não tenha reparado.

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