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Os (dez) maiores talentos portugueses dos anos 90 (artigo de opinião conjunto)

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Sons

10 de Setembro 1999


Os maiores talentos portugueses dos anos 90


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Luís Maio

Quisemos eleger os maiores artistas pop/rock/world portugueses dos anos 90. Não aqueles com uma carreira já antes estabelecida, que chegaram ou se mantiveram na ribalta nestes últimos dez anos, o que exclui à partida nomes como Madredeus ou Dulce Pontes. Mas apenas os novos talentos, que gravaram pela primeira vez em longa-duração e marcaram a música portuguesa (ou, para ser mais rigoroso, produzida em Portugal) nesta década. “Marcar” aqui, tem de se reconhecer, é um pouco ambíguo e esta escolha é um compromisso entre a importância objectiva dos artistas e os nossos gostos pessoais.
A conclusão a que chegámos é que há pelo menos dez nomes fundamentais dos nossos anos 90, o que já não é nada mau. Mas a impressão com que também ficámos, e deverá ficar como objecto de uma futura sistematização, é que esta década não foi genericamente tão produtiva quanto a precedente para a música portuguesa. Houve alguma necessidade da parte dos novos talentos de cortarem com a geração precedente, a dos GNR, Delfins, Trovante e Xutos, nomeadamente no sentido de questionar a necessidade de obedecer a um formato de canção pop/rock e de cantar em inglês. Mas essa ruptura não foi tão frutuosa ou ainda está em boa parte por cumprir.

1. PEDRO ABRUNHOSA (texto Pedro Ribeiro)

2. TRÊS TRISTES TIGRES
Já não há desculpa para se afirmar que não existe uma verdadeira banda portuguesa de pop psicadélica. Ela existe e chama-se Três Tristes Tigres. Mas se esta vertente, se não inédita (quem se recorda, no anos 70, dos Beatnicks, da “Cosmonicação”?), pelo menos muito pouco comum, da música popular produzida em Portugal, tem razão de existir, quando estamos prestes a entrar num novo milénio, tal deve-se ao “input” dos TTT de Alexandre Soares. Foi graças às novas ideias do antigo guitarrista dos GNR que a banda do porto renovou o seu stock de canções assentes no delírio sonoro e na qualidade dos textos escritos por Regina Guimarães. Com Alexandre Soares, os TTT entraram, sem medo, no comboio-fantasma da electrónica e dos sonhos com ligação directa, até ao mais recente, “Comum”, passando por “Guia Espiritual”, os TTT passaram de sonoplastas da palavra a arquitectos do inconsciente. Ana Deus, cantora dos TTT, faz a síntese do caminho recentemente aberto pelo grupo: “É perturbador!”. (texto FM)

3. GAITEIROS DE LISBOA
“Bárbaros!” Era o grito de susceptibilidade ferida com que o bardo Assuracentorix respondia aos insultos que o resto da tribo de irredutíveis gauleses lhe dirigia, quando se atrevia a cantar. Os Gaiteiros de Lisboa nunca foram propriamente insultados, mas, se o fossem, seria sempre por outras razões. Porque, antes deles, a música de raiz tradicional portuguesa descansava à sombra da bananeira, que é como quem diz, da papa toda feita nas décadas anteriores por José Afonso, dos que faziam das recolhas étnicas profissão de fé e do trabalho, sem dúvida louvável, mas sempre respeitador, da geração anterior de grupos da mesma área. Os Gaiteiros chegaram e deitaram tudo abaixo. Niilistas? Iconoclastas, talvez! Depois, sobre os escombros, edificaram um edifício novo tão ou mais deslumbrante que o antigo. Em apenas dois álbuns, “Invasões Bárbaras” e “Bocas do Inferno” (vencedor do Prémio José Afonso do ano passado), os Gaiteiros de Lisboa deram um rosto novo e de desafio à música popular portuguesa. Para muitos, o rosto de um demónio. Mas não é Lúcifer o anjo portador da luz? (texto FM)

4. ITHAKA (texto Tiago Luz Pedro)

5. BELLE CHASE HOTEL (texto Rui Catalão)

6. UNDERGROUND SOUND OF LISBOA (texto Vítor Belanciano)

7. DA WEASEL (texto Tiago Luz Pedro)

8. AMÉLIA MUGE
A conquista recente do Prémio José Afonso, pelo álbum “Taco a Taco”, não fez mais do que reconhecer a importância da obra de Amélia Muge enquanto herdeira daquele que foi, em Portugal, o arauto da insatisfação, do empenhamento ideológico e da inovação estética: José Afonso. Como o autor de “Cantigas do Maio”, Amélia Muge não dispensa a interrogação dos propósitos e motivos que conduzem à criação musical, o que significa que o disco, mais do que produto de uma indústria, deverá ser o espelho da história – do criador e do tempo em que vive. Mas a esta necessidade de conceptualização correspondeu desde o início, com o álbum de estreia, “Múgicas”, essa outra necessidade de arriscar e pôr em causa o que se fez e pensou antes. Amélia Muge, para além do prodígio de força e expressividade que é a sua voz, possui esse outro talento, bastante mais raro: do fogo de uma alma em eterna demanda. Com ela a música tradicional e o legado de autores como José Afonso ou José Mário Branco ganhou verdadeiramente o direito de entrar no 5º império. (texto FM)

9. REPÓRTER ESTRÁBICO (texto Vítor Belanciano)

10. MOONSPELL (texto Pedro Ribeiro)



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Mafalda Arnauth: “Não foi Deus, foi ela mesmo” – Artigo de Opinião

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Sons

8 de Outubro 1999

Não foi Deus, foi ela mesmo

Do grupo de jovens fadistas apadrinhados por João Braga, Mafalda Arnauth cedo demonstrou estar mais próxima da essência do fado. Na sua estreia discográfica a solo, porém, Mafalda Arnauth ignorou os clássicos do fado e fez um disco que é um roteiro da sua vida. Onde o fado, em definitivo, não está arrumado “na prateleira da desgraça”.


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Não há fados conhecidos de todos mas apenas originais compostos pela própria. Prova de auto-confiança da autora, “Mafalda Arnauth” torce um novelo que muitos adivinhavam ser a continuação de uma tradição que, desde Amália Rodrigues, não encontrara ainda representante à altura. Não era “a nova Amália”, rótulo que, periodicamente, se tenta colar a qualquer fadista cuja voz suba mais alto do que as outras, porque Amália é única, mas quando a ouvíamos cantar o fado, sentíamos nela o mesmo fogo, a mesma dor sentida como destino.
Há quatro anos atrás, quando ainda integrava o grupo de jovens fadistas apadrinhados por João Braga, Mafalda Arnauth não pensava sequer em gravar um disco. “Não tinha maturidade”, confessa, “era tudo uma coisa nova que estava a acontecer, cantava meia dúzia de coisas que gostava mas não tinha ainda qualquer filosofia ou ideal”.
Quatro anos fizeram amadurecer o que então não passava de um hobby. João Braga lançou-a. Ela acabou por seguir o seu próprio caminho. “Foi uma coisa natural, essa emancipação, sou uma pessoa independente, com as minhas próprias ideias, embora ainda hoje aprenda com o João Braga, foi com ele que aprendi o gosto pelo poema”. Em paralelo com o canto, Mafalda continuou o curso de Veterinária: “falta-me uma cadeira para entrar no último ano”.
O disco, agora editado, iludiu algumas expectativas. Que foi feito de “Foi Deus?” Onde param os clássicos? “Nunca encarei a carreira de fadista como o objectivo primordial da minha vida, por isso preferi fazer uma coisa mais arriscada. É a minha história que eu conto, a minha realidade, quer as pessoas gostem ou não”. Admite que o disco poderia ter “o tal lado comercial” onde decerto caberia o tal fado de Amália que “seria um sucesso garantido”. Mafalda Arnauth não condescendeu, se o termo se pode aplicar no caso de um fado como “Foi Deus”. A cantora acaba por admitir, no entanto, que “foi um bocado a opção da editora, que já tinha um espólio enorme da Amália”. “Quase de certeza que, se gravasse um fado dela, a atenção acabaria por não recair na minha interpretação”. Mafalda Arnauth não põe, no entanto, de parte, a possibilidade de gravar um dia um álbum dos fados que a “marcaram”. Para já “isto”, os seus fados, são aquilo que mais gosta de cantar. “Tudo o resto continuo a cantar nos espectáculos, mas gravar é outra coisa”. Depois de permanecer algum tempo a cantar nas noites do Embuçado, Mafalda Arnauth afastou-se um pouco, guardando apenas uma noite por semana para esta casa de fado. “Estou com um horário mais complicado”, explica. É que as aulas não perdoam. “Depois da época dos exames poderei definir melhor os meus planos”.
João Gil foi escolhido para produtor de “Mafalda Arnauth”, um álbum que conta ainda com a composição e participação de Rui Veloso em “Vale a pena”. Em relação ao primeiro a fadista confessa que fez “uma coisa de que não estava à espera mas que resultou bem: gravar tudo na mesma sala, sem pistas separadas”. Entre os vários fados que Mafalda Arnauth compôs para o álbum, um deles, “De quem dá”, teve especial significado. “Foi feito no meio das gravações, com um gravador quando ia de carro para o estúdio. O disco está estruturado segundo uma espécie de ordem cronológica. Esse corresponde à fase ‘down’. A partir daí as coisas aclaram-se. A vida renova-se. A letra desse fado andava há tempos a bailar-me na cabeça, fala de uma forma de amor que raramente se canta no fado. Um amor bom”.
Em frente ergue-se o caminho do tal “novo fado” de que muito se fala. E que para Mafalda Arnauth “passa pela atitude”. “As pessoas estão todas a pegar nas músicas e nas letras e a fazer grandes mudanças. Mas as pessoas que cantam o fado não têm que ser boémios. A expressão ‘fadinho’ não me diz nada. Como em tudo na vida há mais do que um lado e o fado destina-se a cantar a vida, as emoções, com momentos bons e momentos maus. O que eu não aceito é que o ponham apenas na prateleira da desgraça”.



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1995 Tudo Sobre a Música dos Anos 90

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31.12.1999
1995
Tudo Sobre a Música dos Anos 90
Um Óasis Na Pop
Ninguém sabe ao certo o significado do termo “britpop” – usado pela primeira vez como título de um programa de música ao vivo da BBC 2, “Britpop Now”, apresentado por Damon Albarn, dos Blur -, mas a verdade é que foi este o principal emblema da música pop deste ano em Inglaterra. Supergrass, Blur, Oasis, Pulp, The Boo Radleys e Elastica chegaram ao número um do top de vendas de álbuns, seguidos de perto pelos Echobely, surgindo Jarvis Cocker, dos Pulp, como figura carismática do movimento. Seja qual for o denominador comum de todas estas bandas, a verdade é que a pop deixou o cinzentismo “indie” para estalar como pipocas ao som de guitarras luminosas, melodias evidentes e “catchy” e números de vendas que não enganavam: a juventude inglesa encontrara um novo som com que se identificar. “Novo“ não era bem, porque a “britpop” nunca escondeu os seus heróis: os Beatles, Rolling Stones, The Kinks, Bowie… Afinal eram os gloriosos anos 60 a acenar lá de trás, projectando-se no presente no mesmo desejo de criar canções eternas que durassem, pelo menos, até ser lançado o single seguinte.

Ano de ouro para a brit pop. Os campeões de bilheteira Blur e os Oasis estiveram juntos pela última vez no estúdios de uma emissora de rádio de São Francisco, a Live 105, enquanto a banda do ex-Nirvana Dave Grohl, os Foo Fighters, andava à procura de editora. Sheryl Crow conquista três Grammies com o álbum “Tuesday Night Music Club”. Concerto apoteótico dos Blur no estádio Mile End em Londres. Os Portishead vencem a quarta edição do Mercury Music Prize, com “Dummy”, atirando Tricky para o segundo lugar. “What’s the Story Mornung Glory”, dos Oasis, torna-se o álbum com vendas mais rápidas no Reino Unido desde “Bad”, de Michael Jackson, com 350 mil cópias vendidas na primeira semana. Garth Brooks rejubila ao tornar-se o artista country que mais discos vendeu, batendo com sete milhões de discos o anterior recorde de seis milhões pertencente a Patsy Cline. Depois de Robert Wyatt, também os EMF se abalançaram numa versão de “I’m a believer”, dos Monkees. Nick Cave e Kylie Minogue fazem dueto na canção e no vídeo “Where the wild roses grow”. Os Rolling Stones recriam o passado no álbum “Stripped” e fazem um novo vídeo para o clássico de Dylan “Like a rolling stone” usando a tecnologia mais sofisticada para dar um ar “retro” à coisa, mas os Beatles vão ainda mais longe ao fazerem “ressuscitar” John Lennon para cantar no inédito “free as a bird”, incluído numa das caixas da sua há muito esperada “Anthology” com material inédito.

Tupac Shakur é condenado e preso por crime de abuso sexual de primeiro grau, sendo posto em liberdade três meses mais tarde. Van Morrison anuncia o seu noivado com uma antiga miss Irlanda, Michelle Rocca. Dolores O’Riordan, vocalista dos Cranberries, é declarad uma das mulheres mais ricas do Reino Unido, ao lado, entre outras, de Angela Lansbury e Jackie Collins, com um rendimento anual de 3,25 milhões de libras. Apesar do sucesso nos tops, a banda de rap feminino TLC declara falência. Estranhamente, o grupo dos irmãos Gallagher não é convidado para tocar na mítica emissão, em Agosto, do programa da BBC 2, Britpop Now, onde participam os Blur, Pulp, Boo Radleys, Elastica, Menswear e Echobelly.

Encerra as portas uma das catedrais “indie” de Londres, a Powerhaus”. O mítico estúdio The Manor, em pleno “countryside” inglês, onde Mike Oldfield gravou “Tubular Bells”, fecha também. Dylan editado em CD-ROM e Peter Gabriel em Cd-i. “Post”, segundo álbum de Björk, viu a sua edição adiada devido ao uso não autorizado de samples. George Michael assina contrato com a editora Dreamworks. Michael Jackson é forçado a regravar o tema “They don’t care about US”, do álbum “HIStory”, devido ao emprego das expressões “jew me” e “kike me”. Bocados de pista de dança do extinto clube Hacienda são postos à venda a 10 libras cada.

Entra para as fileiras dos The Fall a ex-mulher de Mark E. Smith, Brix. Os Stone Roses despedem o seu baterista Alan “Reni” Wren, substituído por Robbie Jay Maddix. Outro ex-Nirvana, Krist Novoselic, lança os Sweet 75 no clube RKNDY em Seattle. Shaun Ryder forma os Black Grape. Peter Green, lendário guitarrista de “blues” branco e membro da formação original dos Fleetwood Mac, é homenageado por outro guitarrista dos anos 70, Gary Moore, no álbum “Blues for Greeny”. Alan Wilder abandona os Depeche Mode ao fim de 13 anos no grupo.

Em ano de recessão, a música portuguesa sofreu as consequências do “boom” de 1994. Como a fartura não dura para sempre, artistas multiplatinados como os Madredeus, Dulce Pontes e Pedro Abrunhosa retiraram-se para manutenção e deixaram as multinacionais de mãos a abanar. Aproveitaram as independentes, que despontaram em grande número e arrancaram com vigorosas demonstrações de vitalidade. Poderá não ter sido a razão primeira para a criação destas editoras, mas todas elas se dedicaram à assinatura dos jovens talentos de que muito se falou em 1994.

Em 1995 desapareceram António Carlos Jobim, um dos pais da bossa-nova, Viv Stanshall, músico e humorista dos Bonzo Dog Doo Dah Band, Bob Stinson, dos Replacements, Melvin Franklin, dos Temptations, Eazy-E, rapper, Rory Gallagher, guitarrista, Kenny Everett e Wolfman Jack, dj, Jerry Garcia, dos Grateful Dead, Charlie Rich, lenda da música cpuntry, Biggie Tembo, dos Bundhu Boys, Sterling Morrison, baterista dos Velvet Underground, Dwayne Goettel, dos Skinny Puppy, Country Dick Montana, dos Beat Farmers, Shannon Hoon, dos Blind Melon, Alan Hull, dos Lindisfarne, e Junior Walker, lenda soul da Tamla Motown.

31.12.1999
1996
Tudo Sobre a Música dos Anos 90
“Born Slippy”, um tema dos Underworld, torna-se um hino da geração tecno, funcionando como pilha de energia para os milhares de participantes do festival Tribal Gathering, ao mesmo tempo que pôde ser ouvido nas salas de cinema, através da inclusão na banda sonora de “Trainspotting”. Se se considerar que, a par do sucesso nas “charts” britânicas deste tema (número dois no top), também “setting Sun” dos Chemical Brothers alcançou os lugares mais altos das listas, chegando ao primeiro lugar, bem se pode dizer que 1996 foi o ano da explosão da música de dança independente. Dois anos após a sua génese o “drum ‘n’ bass” atinge a (maior)idade do “mainstream”, às costas do sucesso de Goldie. Noel Gallagher, dos Oasis, gaba-se de ter comprado o seu primeiro Rolls-Royce e convida a imprensa internacional para uma conferência de imprensa em Edimburgo, na Escócia. Os Três Tenores, Luciano Pavarotti, Placido Domingo e José Carreras ponderam a possibilidade de gravar uma versão de ópera de “Wonderland” dos Oasis. Björk trabalha com algumas das estrelas de música de dança, os pioneiros do “drum ‘n’ bass” Black Dog, os veteranos da tecno LFO e Talvin Singh. Os Pulp conquista o quinto prémio Mercury Music, com “Different Class”, melhor álbum do ano. Marilyn Manson lança o álbum “Antichrist Superstar” e torna-se o herege favorito da América.

Tupac Shakur, o famoso rapper da Costa Oeste americana, é baleado em Las Vegas ao volante do seu carro, quando regressava de um combate de boxe entre Mike Tyson e Bruce Sheldon, vindo a falecer a 13 de Setembro vítima de várias lesões pulmonares. Gary Stringer, vocalista dos Reef, leva 12 pontos numa mão depois de ter sido atingido por um copo num bar em Glastonbury. O baterista dos Smashing Pumpkins, Jimmy Chamberlain, foi apanhado pela polícia de Nova Iorque na posse de droga, na sequência da morte do teclista usado pela banda nas digresões ao vivo, Jonathan Melvoin. Melhor sorte teve David Gahan, vocalista dos Depeche Mode, ao ser ilibado de alegada posse de cocaína, após uma rusga realizada em Beverly Hills, na California. Já Mark Morrison, autor de “Return of the Mack”, foi multado por posse ilegal de arma. No ano de consagração do pós-rock assistiu-se à ressurreição de uma das lendas do krautrock, os Faust, pela mão de Jim O’Rourke. Os niilistas germânicos comandados por “Zappi” Diermaier, lançaram o álbum “Rien” e puseram literalmente em fogo as salas por onde passaram, com shows de pirotecnia ameaçadores. Os Urusei Yatsura foram obrigados a mudar de nome devido a problemas de direitos de autor relativamente a uma banda desenhada “manga” japonesa. O Partido Trabalhista Inglês organiza uma série de noites de música de dança com o objectivo de angariar votos.

O “artista anteriormente conhecido como Prince” rescinde com a editora Warner, para onde gravara nos últimos dez anos, assinando um novo contrato de distribuição com a EMI. Os Elastica usam um sample dos Wire no seu álbum de estreia “Elastica”. Antes, o grupo fora acusado de plagiar uma canção dos Wire (“Three girl rumba”), no seu single “Connection”, com o diferendo a ser resolvido em tribunal com o pagamento de “royalties”.

Paul McCartney juntou-se ao poeta da “beat generation” Allen Ginsberg para a gravação de “Ballad of the skeletons”, num projecto que contou igualmente com Lenny Kaye, guitarrista da banda de Patti Smith, e o compositor minimalista Philip Glass. Mani, baixista dos Stone Roses, entra para os Primal Scream, enquanto o guitarrista e principal compositor da banda, John Squire, abandona para formar os Seahorses. Reunião dos Sex Pistols, com o baixista original Glen Matlock no lugar de Sid Vicious. Ninguém ligou peva e o punk provou estar definitivamente morto e enterrado. Siouxsie Sioux pensou o mesmo extinguindo os Siouxsie and the Banshees, ao sim de 20 anos de carreira.

Os Delfins celebram dez anos de carreira pondo pela primeira vez um álbum seu, “O Caminho da Felicidade”, no primeiro lugar do top de vendas nacional. O greco-americano Darin Pappas perticipa em “So get up” dos Underground Sound of Lisbon e assina “Flowers and the Coloro f Paint” dos Ithaka, um dos álbuns do ano.

Além de Tupac Shakur desapareceram neste ano Chris Acland, baterista dos Lush, que se enforcou na sequência de uma depressão. Chas Chandler, dos Animals, morre de ataque cardíaco.

31.12.1999
1996
Tudo Sobre a Música dos Anos 90
Bloco Pós-Operatório
Chicago, nos Estados Unidos, Bristol, em Inglaterra, e Dusseldorf, na Alemanha, foram as principais sedes de um movimento iniciado no ano anterior que reivindicou de novo o adjectivo “arty” para a música popular, propondo uma reconversão e actualização da estética e da tecnologia electrónica (Moogs, A.R.P.s, Korgs e Mellotrons…) do krautrock e do Progressivo dos anos 70, em moldes que procuravam romper com os parâmetros rock mais “mainstream”. De um lote imenso de bandas com designações bizarras (Black Swan Nettwork, Stars of the Lid, The Sea and the Cake) emergiram os alemães Kreidler, To Rococo Rot e Mouse on Mars, os norte-americanos de Chicago TransAM, Tortoise e Gastr Del Sol e os ingleses Labradford e Stereolab. Todos eles, nos respectivos enunciados musicais, recuperaram uma complexidade rítmica que tanto ia beber ao tribalismo dos Can como inquietar-se nas convulsões do free jazz cósmico de Sun Ra ou do free rock dos Henry Cow e dos Faust, ou ainda, no sentido da simplificação totalitária, deslizar no asfalto e no metal embalados na batida metronómica (“motorika”) dos Neu!. A bossa-nova (Jobim, João Gilberto, Astrud Gilberto), a “kozsmisch musik” (tangerine Dream, Klaus Schulze) e o easy-listening (esquivel, Bacharach), o minimalismo (Reich, Glass) e a música industrial (Throbbing Gristle, Severed Heads, Test Dept.) foram outras das modalidades do passado que o spós-rockers reformularam, conferindo-lhe a distanciação e uma urgência própria dos anos 90. Mas o pós-rock não descurou o prazer da melodia e neste aspecto revelou-se fundamental a herança de um grupo do krautrock que veio substituir os Kraftwerk enquanto influência dominante da década que se apresta a findar: Os Cluster, de Dieter Moebius e Joachim Roedelius, cujo álbum “Zuckerzeit” (1974) cresceu até se tornar numa espécie de bíblia do movimento. O pós-rock revelou ainda dois gurus: Jim O’Rourke e John McEntire. O primeiro ajudou a ressuscitar os Faust, John Fahey e Van Dyke Parks e re-semeou as sementes das flores de Canterbury, o segundo voltou a engrenar o bólide da “motorika” quando não estava a farejar a maresia emanada da bossa-nova. Há quem lhes agradeça e quem não lhes perdoe…

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